Henri Dutillieux

Henri Paul Julien Dutilleux (Angers , Maine-et-Loire 22 gennaio 1916-Parigi 22 maggio 2013) è stato un compositore francese di musica classica della fine del XX secolo. Tra i principali compositori francesi del suo tempo, il suo lavoro era radicato nello stile impressionista di Debussy e Ravel, ma in uno stile individuale e peculiare. Tra le sue opere più conosciute ci sono le sue prime Sonatine per flauto e Sonata per pianoforte; concerti per violoncello, Tout un monde lointain... ("Tutto un mondo lontano") e violino, L'arbre des songes ("L'albero dei sogni"); un quartetto d'archi noto come Ainsi la nuit ("Così la notte"); e due sinfonie: n. 1 (1951) e n . 2 Le Double (1959). 

Era il pronipote del pittore Constant Dutilleux e nipote del compositore Julien Koszul. Era anche cugino del matematico Jean-Louis Koszul. Ha studiato armoni, contrappunto e pianoforte con Victor Gallois al Conservatorio di Douai prima di partire per il Conservatorio di Parigi. Lì, tra il 1933 e il 1938, frequenta i corsi di Jean e Noël Gallon (armonia e contrappunto, in cui vince il primo premio a pari merito con il violoncellista Paul Tortelier ), Henri Büsser (composizione) e Maurice Emmanuel (storia della musica ).

Dutilleux vinse il Prix de Rome nel 1938 per la sua cantata L'anneau du roi ma non completò tutta la sua residenza a Roma a causa dello scoppio della seconda guerra mondiale. Lavorò per un anno come inserviente medico nell'esercito e nel 1940 tornò a Parigi, dove lavorò come pianista, arrangiatore e insegnante di musica. Nel 1942 diresse il coro dell'Opera di Parigi. Ha lavorato come capo della produzione musicale per Radio France dal 1945 al 1963. È stato professore di composizione all'École Normale de Musique de Paris dal 1961 al 1970. È stato nominato membro dello staff del Conservatoire National Supérieur de Musique nel 1970 e è stato compositore residente a Tanglewood nel 1995 e nel 1998. 

Per molti anni Dutilleux ha avuto uno studio sull'Île Saint-Louis . Morì il 22 maggio 2013 a Parigi, all'età di 97 anni, e fu sepolto nel cimitero di Montparnasse, nella stessa tomba di Geneviève, sua moglie morta nel 2009. La sua lapide è realizzata in granito grigio e porta l'epitaffio "Compositeur".

Il suo atteggiamento nei confronti del serialismo era ambiguo. Pur prestando sempre attenzione agli sviluppi della musica contemporanea e incorporando alcune tecniche serialiste nel suo lavoro, critica anche gli aspetti più radicali e intolleranti del movimento: "Ciò che rifiuto è il dogma e l'autoritarismo che manifestano stessi in quel periodo." Dutilleux rifiutò di essere associato a qualsiasi scuola. 

La musica di Dutilleux contiene echi lontani del jazz , come si può sentire nelle corde del contrabbasso pizzicate all'inizio della sua Prima Sinfonia e nel suo uso frequente di ritmi sincopati . Richiede spesso sordine a tazza in stile Ray Robinson nella sezione degli ottoni, il che sembra indicare l'influenza della musica da big band . Dutilleux era molto innamorato dei cantanti, in particolare della cantante jazz Sarah Vaughan e dei grandi cantanti chanson francesi.

La sua musica mostra anche un forte senso di struttura e simmetria. Ciò è particolarmente evidente da un punto di vista "esterno", nell'organizzazione complessiva dei diversi movimenti o nella distribuzione spaziale dei vari strumenti, ma è evidente anche nella musica stessa (temi, armonie e ritmi che rispecchiano, completano o oppongono ciascuno altro).

Perfezionista con un forte senso di integrità artistica, ha permesso che solo un piccolo numero delle sue opere fossero pubblicate; ciò che pubblicava lo rivedeva spesso e ripetutamente.

La sua Prima Sinfonia (1951) si compone di quattro movimenti monotematici e ha una struttura perfettamente simmetrica: la musica emerge lentamente dal silenzio (primo movimento - una passacaglia ) e si sviluppa verso un climax veloce (secondo - uno scherzo e moto perpetuo), mantiene il suo slancio (terzo - "un continuo linea melodica che non torna mai su se stessa"), e infine svanisce lentamente (quarto: tema e variazioni).

Jacob Avshalomov

 Jacob Avshalomov è nato il 28 marzo 1919 a Tsingtao, in Cina. Suo padre era Aaron Avshalomov, il compositore di origine siberiana noto per "materiali musicali orientali espressi in forme e media occidentali"; sua madre era di San Francisco. Ricevette istruzioni musicali da suo padre fin dalla giovane età. All'età di otto anni Avshalomov visitò Portland dalla Cina con i suoi genitori e furono ospiti di Jacques Gershkovitch per diversi mesi nel 1927. Aaron Avshalomov aveva stretto amicizia con Gershkovitch in Oriente (Jacob aveva tre anni quando i due si incontrarono). Tuttavia, poiché non avevano un visto permanente, la famiglia tornò in Cina. 

Jacob si è diplomato in scuole britanniche e americane prima dei quindici anni, poi ha lavorato come supervisore di fabbrica a Tientsin, Shanghai e Pechino per un arco di quattro anni. Fu attivo anche nello sport e vinse il campionato di tuffi della Cina settentrionale. Nel 1937, aiutò suo padre a Shanghai con la produzione di balletti e lavorando sulle partiture. Successivamente si arruolò in un corpo di volontari britannici in seguito all'invasione giapponese della Cina durante la seconda guerra sino-giapponese e alla fine tornò negli Stati Uniti con sua madre nel dicembre 1937. Avshalomov trascorse un anno a Los Angeles studiando con Ernst Toch , seguito da due anni a Portland, Oregon, per frequentare il Reed College (1939-1941). Durante questo periodo studiò con Gershkovitch e partecipò alla Portland Junior Symphony. Ha poi trascorso due anni alla Eastman School of Music per studiare composizione e orchestrazione con Bernard Rogers. Durante la seconda guerra mondiale visse a Londra, dove diresse un'esecuzione della Passione secondo Giovanni di Johann Sebastian Bach.

Dopo la guerra, Avshalomov ricevette la Ditson Fellowship e si unì al dipartimento di musica della Columbia University , dove insegnò dal 1946 al 1954. Qui diresse le prime esecuzioni americane della Messa n. 1 di Anton Bruckner e di Michael Tippett . È un figlio del nostro tempo. Ha fatto parte del National Humanities Council dal 1968 al 1974 e della sezione di pianificazione musicale del National Arts Endowment dal 1977 al 1979. 

Dopo la morte di Gershkovitch nel 1953, i direttori ospiti guidano la Portland Junior Symphony (ora conosciuta come Portland Youth Philharmonic ) per la sua trentesima stagione: uno era Avshalomov. Fu nominato secondo direttore dell'orchestra nel 1954. Durante i suoi quarant'anni di mandato incoraggiò tournée internazionali e produsse diverse registrazioni, alcune delle quali includevano brani commissionati dall'orchestra, rendendo la Portland Junior Symphony la prima orchestra di registrazione conosciuta nel Nordovest del Pacifico. Ha guidato l'ensemble nel loro primo tour internazionale nel 1970. L'orchestra divenne nota come Portland Youth Philharmonic (PYP) nel 1978. L'anno 1984 segnò anche il sessantesimo anniversario dell'orchestra come trentesimo anno di Avshalomov come direttore d'orchestra. Si ritirò nel 1995 dopo circa 640 concerti e 10.000 audizioni.

Morì nel sonno nella sua casa di Portland, Oregon, nel 2013.

Dalle parole di Jacob Avshalomov: "Le evocazioni iniziarono nell'estate del 1947 mentre studiavo con Copland a Tanglewood. Il suo mezzo originale era il clarinetto. Seguendo la tradizione, ho realizzato una versione alternativa per entrambe queste opere: viola per clarinetto e viceversa. Evocations ha l'ulteriore dimensione di un'impostazione orchestrale che serve solo il clarinetto, non la viola... Nemmeno in Evocations ho trovato nulla di sostanziale da cambiare; ma l'esperienza mi ha mostrato come semplificare il divieto che dovrebbe facilitare la strada alle prestazioni future. E, naturalmente, alcune varianti speciali per la viola sono il risultato della raffinata mano italiana di mio figlio Daniel. A parte questo, questi bambini dalla faccia liscia della mia giovinezza ora si lanciano di nuovo nel mondo senza nessuno dei tratti caratteriali che il mio volto ha guadagnato negli anni successivi."

 

Evocations: I. Allegro giocoso II. Lento III. Allegro con grazia

Attilio Rovinelli - Una notte paurosa, 1931

 

Bjarne Brustad

 

Bjarne Brustad (nato il 4 marzo 1895 a Oslo , morto il 20 maggio 1978) è stato un compositore e violista norvegese. Brustad fu prima violinista e poi viola solista nell'Orchestra Filarmonica di Oslo per diversi anni fino al 1943 quando si dimise dall'orchestra e si dedicò alla composizione e all'insegnamento. Era legato al Conservatorio di musica di Oslo .

Era il figlio dell'impiegato postale Olaf Baden (1871–1943) e Mathilde Halvorsen (1871–1962). Dopo aver suonato il violino dal 1902, all'età di 12 anni gli fu permesso di iniziare il Musikkonservatoriet di Oslo nel 1907 con Gustav Lungo (1861-1939). Nel 1912 diresse l'orchestra del Teatro Tivoli e nel 1913 studiò a Berlino con il danese Julius Thornberg (1883–1945), primo violino della Filarmonica di Berlino . Debuttò nel 1914 come violinista a Kristiania, ma tornò subito a Berlino per studiare con l'ungherese Carl Flesch (1873–1944) dove rimase nel 1918 quando divenne primo violino della Stavanger Symphony Orchestra , dopo di che gli fu permesso di suonare il violino dal 1919 al 1922, nella neonata Orchestra della Società Filarmonica di Oslo.

Dal 1922 si dedicò ancora di più alla composizione e nel 1924 debuttò come compositore con la sua "Suite n. 1 per orchestra, Concerto per violino n. 1, Atlantide" con se stesso alla bacchetta e Leif Halvorsen (1887–1959 ) al violino. Dal 1928 fu violista permanente nell'Orchestra della Società Filarmonica, suonando come solista fino all'arrivo dei tedeschi e della guerra. Al conservatorio di musica insegnò dal 1937, oltre a scrivere libri di testo e autobiografie. Dopo la guerra preferì scrivere musica e si ritrovò con un totale di nove sinfonie , quattro concerti per violino , l'opera Atlantis del 1945 finora mai rappresentata e varia musica da camera e musica vocale. Dal 1951 ricevette lo stipendio di un artista.

Brustad si sposò nel 1941 con la ceramista Elisabeth Scheel (1898–1980).

La Sinfonia n. 2 fu completata nel 1951 ed è scritta per orchestra, con l'aggiunta speciale del vecchio tamburo militare a cui è stato assegnato un ruolo importante. La sinfonia è in tre movimenti con un'introduzione breve e lenta.

• Il primo movimento ha il titolo “Fanfara”, nome derivato dall'introduzione in ottone del materiale tematico principale….
• Il secondo movimento è costituito da una lunga cantilena d’archi – una sorta di “melodia senza fine” – su cui successivamente ricamano il flauto e il corno inglese. Lo stesso compositore definì il movimento “una canzone senza parole”.
• L'ultimo movimento è un rondò in tre episodi costruito sui tratti caratteristici dei diversi gruppi di strumenti: il movimento veloce e vivace dei legni, gli slanci violenti degli ottoni e gli effetti pizzicati degli archi.

M Squad

Stati Uniti, 1957 / David Saunders

Incentrata sulle avventure del grintoso tenente Frank Ballinger (Lee Marvin), poliziotto in borghese di Chicago, assegnato alla Squadra M, un 'unità preposta a investigare sugli omicidi, questa serie, caratterizzata da una certa violenza, era all'epoca considerata piuttosto trasgressiva e, come Dragnet, è stata al centro di non poche polemiche. 

Lee Marvin (che era anche interessato al cinquanta per cento nella produzione) era piuttosto a suo agio nel ruolo del duro e grintoso protagonista, violento quanto basta quando si tratta di incastrare un assassino, ma anche umano e disponibile nel proteggere un innocente.

Poliziesco realistico di buon livello, M Squad, realizzato in bianco e nero e caratterizzato anche da un accattivante tema musicale composto da Count Basie, è andato in onda negli Stati Uniti dal 20 settembre 1957 al28 giugno 1960 per complessivi 117 episodi da 28 minuti.

Antoine & Jean-Baptiste Forqueray

Antoine (Parigi, settembre 1672 – Mantes-la-Jolie, 28 giugno 1745) era considerato dai suoi contemporanei come uno dei maggiori virtuosi della viola da gamba assieme a Marin Marais. Notevole fu anche la sua capacità di improvvisazione. Il padre di Antoine era violista e insegnante di danza. Con ogni probabilità Antoine ricevette i primi rudimenti di musica proprio dal padre, rudimenti che assimilò in fretta, tanto da essere considerato un bambino prodigio, esibendosi in concerto per il re Luigi XIV, il quale pagò al giovane Forqueray lezioni di musica più approfondite. Nel 1689, a soli 18 anni, venne nominato musicista ordinario della camera del re.

Suo figlio Jean-Baptiste (3 April 1699 – 28 June 1782) pubblicò una raccolta di 32 pezzi per viola da gamba e basso continuo composti da suo padre, accompagnati da trascrizioni per tastiera.

Sono molti i pezzi riuniti nel volume preparato da Jean-Baptiste nel 1747, due anni dopo la morte del padre, e recuperati da schizzi e ricordi. Queste Pièces de viole avec la basse continuë , dedicate alla principessa Henriette di Francia (la più giovane delle figlie gemelle di Luigi XV), sono un grande e ultimo omaggio a uno strumento, che dopo settant'anni di una regola assoluta, stava già iniziando a cedere il territorio al violoncello...

Questa magnificente raccolta di suite per clavicembalo è il frutto della sapiente trascrizione di Jean-Baptiste o, più probabilmente, della moglie Marie-Rose Dubois, una celebrata clavicembalista francese della metà del settecento.

L'opinione più comune tra gli studiosi contemporanei tende ad attribuire la musica in egual misura a padre e figlio, vista la presenza di alcuni elementi modernizzanti tra i quali l'influenza di Leclair in certe modalità costruttive.

Suite No. 1 in D Minor:

1 Allemande. La La borde

2 La Forqueray

3 La Cottin

4 La Bellemont

5 La Portugaise

6 La Couperin 

Anthony Louis Scarmolin

Anthony Scarmolin (Schio 1890-Wyckoff, New Jersey 1969) è stato un compositore prolifico la cui produzione include lavori in ogni genere classico, dai brani per pianoforte pedagogici alla grande opera. Fu anche un appassionato educatore musicale, molto amato dai suoi alunni, che insegnò per 30 anni nelle scuole pubbliche del New Jersey. Durante la sua vita e successivamente sotto gli auspici dell'A. Louis Scarmolin Trust, le sue opere sono state ampiamente pubblicate, suonate in tutto il mondo e sono state raccolte in numerose registrazioni. 

Anthony Louis Scarmolin nacque nel 1890 nella città di Schio, nel nord Italia, dove suo padre lavorava nell'industria tessile locale. La musica era una parte importante della vita familiare di Scarmolin e il giovane Anthony imparò violino, pianoforte e clarinetto in tenera età da suo padre. La famiglia Scarmolin arrivò negli Stati Uniti nel 1900 e si stabilì nel New Jersey.

Il giovane Anthony mostrò un talento particolare come pianista e da adolescente si iscrisse al Conservatorio tedesco di musica di New York, dove studiò con Bertha Cahn. Le sue prime composizioni, che sembrano opera di un autodidatta, risalgono ai suoi anni da studente. Questi primi lavori, come Una Lotta Col Destino , Una Discussione e An Irresistible Thought , sono fortemente espressionisti e presentano un cromatismo straordinariamente esagerato, a volte avventurandosi nel regno dell'atonalità. Provenienti da un giovane relativamente poco sofisticato della New York musicalmente conservatrice del primo decennio del XX secolo, questi sono lavori notevoli, che hanno debitamente confuso e sgomento gli insegnanti di Scarmolin. 

Uno dei motivi del dietrofront stilistico potrebbe essere stato un infortunio debilitante alla mano (probabilmente un attacco di sindrome del tunnel carpale) che afflisse il giovane musicista al momento della sua laurea e lo costrinse ad abbandonare un previsto debutto alla Carnegie Hall. Anche se alla fine si riprese e rimase un formidabile pianista per tutta la vita, questo infortunio sembra averlo indotto ad abbandonare i suoi piani per una carriera come pianista da concerto. Invece si gettò nell'impresa di costruire una "pratica" come compositore. Prestò molta attenzione alla moda stilistica e di conseguenza produsse canzoni, musica da salotto, opere corali facili e opere pedagogiche che commercializzò, con crescente successo, ai principali editori musicali del suo tempo. Una parte significativa di questi primi lavori, compresi alcuni brani per fisarmonica in stile popolare, furono scritti sotto pseudonimi come John Lais (Lais era il nome da nubile di sua madre), Howard Marlin e persino Louis Schermonich. I suoi primi grandi successi furono le sue canzoni, per lo più sentimentali o di natura sacra, cantate da alcuni dei principali cantanti del suo tempo, tra cui il baritono David Bispham e il tenore Beniamino Gigli. Gigli usò la sua influenza per portare all'attenzione del consiglio di amministrazione della Metropolitan Opera House la lussureggiante e melodiosa opera in un atto di Scarmolin, The Interrupted Serenade (1913), ma da questo sforzo non risultò alcuna esibizione del Met.

Nel 1917, quando l'America fu coinvolta nella prima guerra mondiale, Scarmolin fu arruolato nell'esercito e andò in Francia con la 320a banda di artiglieria da campo. Adattandosi prontamente alle opportunità musicali a portata di mano, come sempre, Scarmolin aggiunse canzoni patriottiche al suo repertorio e ne scrisse una in particolare (We'll Keep Old Glory Flying g, con le parole dell'amico e frequente collaboratore Carleton S. Montanye) che ottenne una misura di popolarità in quel momento. Tornò negli Stati Uniti nel 1919 e presto trovò lavoro come direttore della band e dell'orchestra alla Emerson High School di Union City, nel New Jersey. I problemi cardiaci lo costrinsero al ritiro nel 1949, ma l'abilità e l'impegno che sviluppò nello scrivere per giovani musicisti lo avrebbero accompagnato per tutta la vita. Ciò si riflette nella sua prolifica produzione per band e orchestre di livello scolastico.

Nel 1926 Scarmolin sposò Aida Belasso, cantante e insegnante di canto. La coppia non aveva figli e si dedicava l'uno all'altro e alla musica. Viaggiavano spesso in Italia.

Dopo essersi affermato commercialmente come compositore, le ambizioni puramente artistiche di Scarmolin cominciarono a risvegliarsi. Negli anni '20 ritorna al mondo dell'opera, completando La Grotta Rossa e Passan le Maschere ; poi, negli anni '30, compose importanti opere da camera e orchestrali, tra cui la sua Prima Sinfonia, i poemi sinfonici Notte e Overture on a Street Vendor's Ditty , il quintetto per pianoforte In Retrospect (originariamente scritto per clavicembalo e quattro viole) e il suo primo quartetto d'archi. Tutte queste opere sono scritte in uno stile lussureggiante, romantico e prevalentemente melodico. Night e il quintetto furono brani premiati (quest'ultimo in un concorso per nuove opere composte per strumenti antichi) e molti di questi lavori degli anni '30 furono eseguiti, inclusa una manciata di rappresentazioni internazionali.

Dopo il suo ritiro dall'insegnamento, Scarmolin continuò a comporre in modo prolifico. Le sue opere degli anni Cinquanta assumono un suono più astringente, leggermente più modernista (anche se non si avvicina mai al febbrile espressionismo delle sue sperimentazioni giovanili). Queste opere includono il suo 2° Quartetto d'archi e la sua concisa 3a Sinfonia, il meditabondo Arioso per archi e diversi brevi brani per pianoforte. Scarmolin continuò a comporre fino alla sua morte nel 1969. 

Giana Anguissola - I poeti, 1932

 

Bruno Bjelinski

Bjelinski è nato a Trieste da una famiglia ebrea . Sua madre morì molto presto, quindi suo padre lo portò a Zagabria dove fu allevato dalla nonna. In gioventù suonava il violino e il pianoforte. Successivamente cambiò il suo cognome da Weiss a Bjelinski (derivazione della parola bijeli , che significa "bianco" in croato ). Ha conseguito il dottorato in giurisprudenza presso l' Università di Zagabria e successivamente lì ha studiato presso l' Accademia di musica con Blagoje Bersa e Franjo Dugan . Bjelinski iniziò a comporre negli anni '30. All'inizio della seconda guerra mondiale aveva terminato 2 sonate per violino e pianoforte, 3 suite per pianoforte e una toccata . Durante la seconda guerra mondiale fu mandato in un campo di concentramento , ma nel 1943, con l'aiuto di un amico, scappò e si unì ai partigiani sull'isola di Korčula . Alla fine della guerra visse alternativamente sull'isola di Vis e a Bari . Alla fine degli anni '50 sposò la giovane e promettente pianista Ljerka Pleslić (nata nel 1938) dalla quale ebbe due figli, Dean e Alan Bjelinski. Il figlio più giovane Alan divenne in seguito compositore e direttore d'orchestra. Bjelinski morì il 3 settembre 1992 sull'isola di Silba dove fu sepolto. 

La sua musica è descritta come diretta e ottimista, il suo stile fresco si presta sia alla musica seria che a quella per bambini. Visibili nel suo lavoro sono tracce della musica barocca con il suo movimento cinetico incessante e strutture ben congegnate. Ma gli impulsi neoclassici sono sempre alla base del suo lavoro creativo; rifiutando tutto ciò che è al di fuori delle collaudate leggi dell'ordine classico, il compositore, rispettando queste stesse leggi, ha anche giocato un po' con esse. Il poetico senza pretese delle sue opere è spesso soffuso di un umorismo gentile che a volte rasenta l'ironia. Bjelinski si è cimentato con successo in quasi tutti i settori della musica seria.

 

Mr Moto

Stati Uniti, 1935 / John Phillips Marquand

Creato da Marquand sulle pagine del Saturday Evening Post, Mr Moto è il numero uno del servizio segreto giapponese. Subdolamente astuto e un po' diabolico, secondo gli stereotipi allora in voga negli Stati Uniti sugli orientali in genere e sui giapponesi in particolare.

Non ha in sé nulla della cordiale bonomia del più popolare Charlie Chan di Biggers. Descritto come «un ometto piccolo, dall'aspetto delicato, quasi gracile» che «sorrideva mettendo in mostra una fila di denti d'oro luccicanti e

avanzava con una serie di inchini», il signor Moto è solo apparentemente

mite, dato che è abilissimo nello judo e può eliminare senza nessuno sforzo qualsiasi avversario.

Protagonista di gialli a fondo spionistico pubblicati in Italia da Mondadori,

questo personaggio è stato impersonato da Peter Lorre in numerosi film della seconda metà degli anni Trenta.

 

Yevhn Stankovich

 

Jevhen Fedorovyč Stankovyč nato a Szolyva, 19 settembre 1942, all'epoca parte del Regno d'Ungheria.

Nel 1962-63 studiò composizione con Adam Soltys al Conservatorio di Leopoli, dal 1965 al 1970 con Borys Ljatošyns'kyj e Myroslav Skoryk al Conservatorio di Kiev. Ha lavorato come editore musicale, è stato presidente dell'Unione dei compositori ucraini e, dal 1998, lavora come docente di composizione al Conservatorio di Kiev, ora Accademia Nazionale di Musica dell'Ucraina.

Nel 2017 è stato a capo del comitato organizzatore delle olimpiadi ucraine "La voce del Paese".

Yevhen Stankovych è una delle figure centrali della musica ucraina contemporanea. Compositore prolifico, è autore dal 1966 di 6 sinfonie, opere "Quando la felce fiorisce" e Rustici, 6 balletti, un gran numero di opere nei generi oratorio, vocale da camera e strumentale da camera, nonché musica di scena fino a 6 spettacoli di teatro musicale e oltre 100 film.

Fin dalle prime composizioni Stankovych si dichiarò un compositore dal temperamento drammatico, non contrario al rischio emotivo. Le elaborate trame polifoniche e il lirismo meditativo del compositore ricordano il rigoroso stile strumentale della musica barocca, mentre gli affetti corposi con l'evidente colorazione post-romantica conferiscono alla musica calore ed espressività. La sua musica è notevole sotto molti aspetti, mostrando la sua libertà emotiva, la consumata maestria tecnica e la flessibilità della forma.

Yevhen Stankovych ha ricevuto numerosi premi importanti. La sua Sinfonia da camera n. 3 è stata selezionata dalla Tribuna mondiale dell'UNESCO come una delle 10 migliori opere del 1985. È stato premiato con numerosi premi in Ucraina, tra cui il più alto riconoscimento del paese per la creatività artistica, il Premio statale Taras Shevchenko.

Le opere del compositore sono state eseguite in Canada, Stati Uniti, Germania, Francia, Svizzera, Finlandia, Spagna, Cina, Filippine e Jugoslavia, oltre ad esecuzioni nell'ex Unione Sovietica e nei paesi dell'Europa orientale. Nel gennaio 1992, è stato giurato senior del primo concorso di musica contemporanea canadese tenutosi a Winnipeg ed è stato presentato in festival di musica contemporanea in Germania e Polonia. Nel 1996 è stato compositore residente nel Canton Berna, in Svizzera.

Yevhen Stankovych è accademico dell'Accademia nazionale d'arte, presidente della Facoltà di composizione dell'Accademia nazionale di musica di Kiev, membro del comitato nazionale dei premi Taras Shevchenko. È l'ex presidente dell'Unione dei compositori ucraini, artista popolare ucraino, eroe dell'Ucraina.

La Sinfonia n. 4 di Stankovych, "Sinfonia lirica", composta due anni dopo "L'Eroica", nel 1977, ritorna al mondo degli archi della "Sinfonia larga". Quest'opera, composta per sedici archi solisti in un unico movimento esteso, fu per stessa ammissione di Stankovych una svolta verso il neo-romanticismo e un deliberato abbandono dell'uso di "modelli" (armonici o ritmici). La costruzione dell'opera è ingegnosa nella distribuzione delle melodie sugli archi: ogni musicista ha una melodia di carattere diverso che deve riprodurre spesso senza riferimento al resto dell'ensemble - a volte, il direttore viene incaricato solo di dirigerne uno o due strumenti lasciando che gli altri suonino indipendentemente. Ma questa attenta stratificazione di linee musicali simultanee (orizzontali) produce una trama armonica (verticale) bella e ricca.

Il materiale tematico principale della Sinfonia ricorda il dolce lirismo di Skrjabin; tuttavia questo è ben lontano dal pastiche e Stankovych si avvale di una varietà di approcci formali e stilistici diversi per creare l'opera. La struttura, ad esempio, è una sintesi di elementi di forma sonata, forma di variazione e rondò – tuttavia il risultato, che aumenta di intensità e diminuisce nuovamente, è ciclico. Questo approccio intricato gli permette, paradossalmente, di creare musica con un sentimento di estrema libertà e una qualità improvvisativa: come suggerisce il titolo, un pezzo in cui la forza primaria sembra essere un bellissimo lirismo dal respiro lungo.

Dmitri Kabalevsky

Dmitrij Borisovič Kabalevskij (San Pietroburgo, 30 dicembre 1904 – Mosca, 14 febbraio 1987) fu u considerato uno dei grandi compositori sovietici moderni. Impegnato politicamente, contribuì a fondare l'Organizzazione dei compositori dell'Unione Sovietica. Ricevette numerosi riconoscimenti di Stato e per due volte gli fu assegnato il Premio Stalin. Dal 1950 al 1970 fu una figura pubblica in Unione Sovietica.

Il linguaggio musicale di Kabalevski, che svolse anche attività di docente, scrittore e pianista, rifuggì dalle sperimentazioni più ardite; le sue composizioni sono ricche di effetti brillanti e di facile ascolto.

Kabalevskij nacque a San Pietroburgo. Suo padre era un matematico e lo incoraggiò a studiare matematica, sperando seguisse le sue orme. Tuttavia, nei primi anni di vita, egli ha mantenuto una certa passione per le arti, e divenne un giovane pianista, compreso un periodo di tre anni come pianista nei film del cinema muto. Si è anche cimentato nella poesia e pittura.

Nel 1925, contro il volere del padre, accettò un posto al Conservatorio di Mosca, studiando composizione con Nikola Jakovlevič Mjaskovski e pianoforte con Aleksandr Borisovič Gol'denvejzer. Nello stesso anno entrò a far parte del PROKULL (produzione collettiva di Compositori Studenti), un gruppo di studenti affiliato con il Conservatorio di Mosca volto a colmare il divario tra il modernismo della ACM e l'utilitarista musica "Agit-Prop" dell'ARMP. Divenne professore al Conservatorio di Mosca nel 1932. 

Durante la seconda guerra mondiale, ha scritto molte canzoni patriottiche, dopo aver aderito al Partito comunista nel 1940, ed è stato il direttore di Sovetskaja Muzyka per la sua edizione speciale in sei volumi pubblicata durante la guerra. Ha anche composto ed eseguito molti pezzi per il cinema muto e musica per il teatro.

Nel 1948, quando Andrej Ždanov dichiarò la sua risoluzione sulle direzioni che la musica sovietica avrebbe dovuto seguire, Kabalevskij era originariamente nella lista dei compositori che erano i più colpevoli di formalismo, tuttavia, a causa delle sue connessioni con ambienti ufficiali, il suo nome è stato rimosso.

Il Concerto per pianoforte n. 2 in sol minore op . 23 fu composto nel 1935 (pochi anni dopo il suo ingresso alla facoltà del Conservatorio di Mosca) e poi rivisto nel 1973. È considerato da alcuni il capolavoro del compositore. La sua prima rappresentazione ebbe luogo a Mosca il 12 maggio 1936. Si compone di tre movimenti :

I. Allegro moderato

II. Andantino semplice

III. Allegro molto

Sebbene fortemente influenzato da Prokofiev, il compositore mantiene comunque il suo stile distintivo in tutta l'opera: ritmi taglienti e vivaci e blocchi tematici concisi, un lirismo intelligente e ben strutturato quando la musica passa dall'attività alla melodia, uno schema tonale chiaro ciononostante ha spazio per più sorprese e svolte drammatiche di quanto si possa a prima vista sospettare, e ovviamente per una scrittura sulla tastiera del tutto idiomatica. Il pezzo è noto per le sfide poste al pianista, che richiedono un musicista con una tecnica formidabile. L'ampia cadenza del primo movimento richiede una tecnica virtuosa, e il terzo movimento presenta al musicista un'ampia gamma di difficoltà tecniche, tra cui ottave veloci, ampi salti, note ripetute, doppie terze rapide, incroci veloci delle mani e lunghe corse.

 

Arnaldo Fraccaroli - Questa sera grande spettacolo, dirige Rossini, 1940

Mitch Tobin

Stati Uniti, 1966 / Tucker Coe

Regolarmente sposato da alcuni anni con Kate, il poliziotto Mitch Tobin ha una storia d'amore con Linda, il cui marito ha arrestato qualche mese prima. «Potevo vedere Linda solamente quando ero in servizio - ricorda l'uomo nella sua prima avventura, - e questo significava che almeno un'altra persona doveva essere al corrente del mio segreto: il mio collega Jock mi sostituiva durante le ore che trascorrevo con Linda». Tutto va bene fino a quando Jock viene ucciso.  Al suo posto avrebbe dovuto esserci Mitch Tobin, che dopo una breve inchiesta viene radiato dalla polizia.

Dopo due anni di crisi, vissuti insieme a Kate, che l'ha perdonato, isolandosi

dalla gente e riuscendo a sopravvivere grazie ai risparmi fatti durante diciotto anni di servizio, l'uomo vince il proprio torpore e riesce a ottenere la licenza di investigatore privato grazie all'aiuto di un paio di amici che gli sono rimasti

nella polizia. 

«Malgrado questo non ero ancora riuscito ad adattarmi a lavorare con gli altri; assumevo solo casi in cui potevo lavorare da solo, ed ero iscritto quale collaboratore saltuario nelle liste di tre agenzie di Manhattan. Ero arrivato sull'orlo del suicidio o di un esaurimento nervoso, e cominciavo solo allora a

riprendermi e a sentirmi alleggerito dal peso della colpa che mi aveva

schiacciato. Cercavo di tornare a galla ... ». 

E, nonostante tutto, ci riesce, dimostrandosi sempre disponibile quando qualcuno ha bisogno di lui. Tucker Coe è uno degli pseudonimi di Donald E. Westlake.

 

Alexander Fyodorovich Goedicke

 

Alexander Fyodorovich Goedicke (1877 – 1957) 

Organista e compositore russo, è ricordato soprattutto per il suo Concert Etudes, una breve composizione per tromba, immancabile nel repertorio di tutti i virtuosi dello strumento; profondo studioso dell’opera di Bach, orienta le sue composizioni nel rispetto della tradizione classica, disdegnando l’imperante modernismo antiborghese e antiromantico.

Alexander Fyodorovich Goedicke nasce a Mosca in una famiglia di musicisti che provvede alla sua prima formazione; suo nonno è organista e maestro di canto, suo padre è un pianista del teatro Bolshoi. Alexander Goedicke studia al Conservatorio di Mosca con Galli, Pabst e Safonov e composizione con Arensky; si diploma in pianoforte nel 1898. Lavorò come insegnante di musica presso l'Istituto per orfani dell'imperatore Nicola I di Mosca fino alla sua chiusura nel 1918. Nel 1898 insegnò anche al Liceo di Mosca in memoria di Tsarevich Nikolai. 

Autodidatta come compositore, è guidato e consigliato da Sergej Taneev. La sua carriera riceve una forte accelerazione nel 1900 quando, a Vienna, vince il Premio Anton Rubinstein per la composizione; sono menzionati il suo Concerto per pianoforte, la sua prima Sonata per violino e la sua attività di pianista. 

Dal 1904 lavorò all'Istituto Elisabetta di Mosca, sostituendo Sergei Rachmaninoff come ispettore musicale nel 1906. Dal gennaio 1907 insegnò tecnica pianistica presso l'Istituto per nobili fanciulle di Mosca, fondato in memoria di Caterina II. Il lavoro in queste istituzioni educative ha contribuito notevolmente alla creazione di un grande repertorio educativo, combinando meriti tecnologici e artistici. Goedicke divenne professore di pianoforte al Conservatorio di Mosca nel 1909.

Lo stile conservatore di Alexander Goedicke gli consente di attraversare indenne il tragico periodo delle “purghe staliniane”, mantenendo fino alla morte il suo incarico al Conservatorio.

Poco conosciuto in Occidente, Alexander Goedicke gode di buona fama in tutta l’Unione Sovietica ed è particolarmente apprezzato per le sue esecuzioni della musica per organo di Bach. La sua vasta produzione, in gran parte ancora da esplorare, comprende musiche per organo, per orchestra sinfonica e musica da camera.

Alfredo Fabietti - Marcia notturna attraverso la città, 1939

 

Massimo Malavasi

 

Classe 1972, nato a Carpi ma residente a Novi di Modena, diplomato in Composizione e in Pianoforte, affianca a una feconda attività compositiva una altrettanto intensa attività di concertista, didatta, arrangiatore e direttore di coro.

Ha ricevuto premi e menzioni in concorsi di composizione italiani e internazionali, ed ha partecipato a festival e rassegne internazionali di composizione.

Negli ultimi anni si è dedicato a composizioni di ampio respiro, quali due concerti per pianoforte e orchestra, il concerto per violoncello e 2 concerti per saxofono, soprano e contralto. A questi vanno aggiunte le esperienze teatrali di due opere liriche, “Altre vite” e “Frammenti”, e 5 musical di cui 2 in lingua inglese rappresentati negli Stati Uniti, “Nix” e “The Angel of Hell’s Kitchen”.

La scrittura di Massimo Malavasi non ha seguito le orme delle avanguardie novecentesche, ormai racchiuse in ambito accademico, se non in qualche lavoro scolastico giovanile, ma si ispira ai grandi capolavori del repertorio classico-romantico mescolati con l’esperienza della musica jazz, e del teatro.

Dopo gli anni dedicati alla musica vocale, non solo opera e musical, ma anche coro e direzione corale, la sua attenzione si è rivolta ancora alla musica strumentale, in particolare al concerto solistico con accompagnamento orchestrale. In questo genere trova spazio la sua creatività e la fantasia del virtuosismo strumentale, finora dedicato al pianoforte, al saxofono e al violoncello. Il virtuosismo strumentale diventa sinonimo di ricostruzione di quella forma artistica che non ha bisogno di giustificazioni, il virtuoso si misura con sé stesso e raggiunge quella sublimazione che rimane intoccabile, soprattutto in un’epoca di smarrimento in cui la mediocrità regna sovrana.

Il concerto per pianoforte e orchestra N°2 Op.34 arriva dopo l’esperienza maturata in numerosi anni di concerti dal vivo in veste di pianista classico ma anche di pianista che partecipava alle Jam Session di locali di musica jazz, in veste di musicista della cosiddetta musica colta ma anche di musica pop, in veste di mastro di coro ma anche di insegante di pianoforte e composizione. A fianco del pianista c’è anche il compositore, la cui scrittura ha spaziato dalla musica popolare alla musica classica e jazz, dalla musica per il teatro alla musica strumentale, dalla musica corale alla didattica pianistica.

Questo concerto unisce numerose tecniche compositive, dall’utilizzo dell’inversione e dei retrogradi dei temi di ispirazione barocca, alla ciclicità dei medesimi di ispirazione tardoromantica alla ritmica swing di ispirazione jazzistica. Per questa ragione il concerto si presta a vari arrangiamenti; infatti, è già stato eseguito in versione per pianoforte e quartetto d’archi con al pianoforte l’autore. 

Quello del video è una splendida versione interpretata dalla pianista Krisztina Fejes accompagnata da un’orchestra sinfonica completa, l’Inspired Symphony di Budapest, e in settembre di quest’anno si ascolterà anche una versione per pianoforte, basso, batteria e quartetto di saxofoni.

Questo concerto ha un carattere sereno, felice, che sembra voler dimenticare le negatività dell’era contemporanea, e lo fa con quell’unico tema che è presente in tutti e tre i movimenti del concerto, e si trasforma modificando il suo carattere e il suo stile, ma mantenendo sempre la sua fresca positività.

• Nel primo movimento, Alla Breve, quasi in forma sonata, il tema passa dall’essere presentato con un carattere intimista alla sua trasformazione in carattere magniloquente, una vera esplosione di forza positiva. 
• Nel secondo movimento, Valzer con Variazioni, questo viene trasformato in tempo ternario, un mesto valzer, e variato senza soluzione di continuità fino a raggiungere il punto culminate nelle ultime due variazioni. All’interno di queste anche altri strumenti, come l’ottavino, assumono il ruolo di solista.
• Nell’ultimo movimento, Ritmato, l’inverso del tema presenta una modifica sincopata, e l’introduzione del basso elettrico e della batteria, fa assumere a tutto il brano una serena freschezza.

Giorgio Bruce: Dottor Mago, 1939

 

 

CSS 46: Otello Vecchi, La mente racconta il cuore ricorda, Il ragazzo di campagna

PREFAZIONE

Nato quasi per caso, da alcune righe preparate in occasione del settantesimo compleanno di Maria Adele, un biglietto d’auguri per mia moglie, madre dei miei figli e compagna di una vita. Si tratta di un ricordo di come tutto iniziò, una dichiarazione d’amore rinnovata e confermata da oltre cinquant’anni anni vissuti assieme, che doveva rimanere una pagina unica. Ho pensato a figli e nipoti, che non avrebbero potuto rendersi conto del momento storico, della società, di mode, usanze e tradizioni che genitori e nonni avevano vissuto, così ho sentito di dover rendere una testimonianza scritta. Sono stato preso per mano dai ricordi e dal piacere di raccontare, finendo per scrivere le vicende di un bambino nato in una notte di ottobre del 1950, i momenti significativi, le passioni, le gioie e le amarezze, i sogni e le paure, filtrati dal tempo che passa e dalle riflessioni di un settantenne che rilegge il suo cammino.

Ho fissato fotografie come si affacciavano dall’hard disk della memoria, senza un ordine cronologico, facendo salti quantici e cercando di trasmettere sapori e colori delle emozioni e mai avrei pensato di scrivere tanto!!! Il materiale si accumulava, le pagine scorrevano senza fatica e il file di Word continuava a gonfiarsi giorno dopo giorno.

Settant’anni di vita scritti da chi ha presuntuosamente pensato che qualcuno potesse essere curioso e leggesse queste pagine arrivando alla parola fine, come se si trattasse del più avvincente bestseller. Luoghi, fatti, personaggi… sono reali e vissuti; riflessioni, pensieri e considerazioni pseudo filosofiche sono scritte con sincerità, nulla volendo insegnare, nella convinzione che la storia di ciascuno è unica e irripetibile. 

Faccio ammenda per le inesattezze storiche e le eventuali date imperfette. Chiedo scusa a chi è stato presente nella mia vita se non si riconoscerà a pieno negli episodi descritti. Ho rivissuto emozioni, rivisitato errori, grato per i tanti progetti realizzati e per quelli ancora nel cassetto, perché l’importante non è la meta, ma il viaggio in sé stesso. Come direbbero i nativi americani, ho visto passare molte primavere. Presto le spalle cominceranno a incurvarsi, le forze a mancare e quando, come dice Leopardi, «Sarò venuto a sera del viver che daranno a me le stelle», chiedo di andarmene con serenità benedicendo la Vita, senza rimpianti, consapevole di avere vissuto. 

Molti affermano che scrivere di sé possa essere una vera e propria terapia. Ciò che ha risvegliato in me questa esperienza è un profondo sentimento di riconoscenza per la Vita, per chi l’ha creata, per chi me l’ha trasmessa, per Maria Adele, alla quale devo una parte di ciò che sono, per i miei figli e i miei nipoti, che mi hanno aiutato a crescere più di quanto io abbia aiutato loro e per tutti coloro con i quali ho condiviso un tratto di strada. 

Sono riconoscente per gli insegnamenti che mi hanno regalato gli incontri con grandi e piccoli, maestri e allievi, forti e fragili, umili e potenti: da tutti ho imparato qualcosa, spero di aver dato anch’io qualcosa per cui valga la pena ricordarmi con un sorriso.

                                                                                          Otello

POSTFAZIONE

Pensavo fosse più semplice scrivere due righe sul libro di Otello, invece ho dovuto pensarci su un bel po’. Insomma, di biografie ne ho lette molte, più o meno interessanti, ma questa si è presentata subito strana ai miei occhi. È una biografia senza quasi esserlo. Lo so che è difficile farmi capire. Ci provo.

Otello parla in questo primo libro della sua vita, dagli albori fino al matrimonio. E fin qui non ci sarebbe nulla di strano. La differenza sostanziale con le comuni biografie sta nella non cronologia del racconto. Sembra salti di palo in frasca, ma ha una certa logica. Racconta i fatti, i ricordi e ci dà la sua morale. Alla fine la biografia si maschera da testo di saggistica. Capite la differenza? Oltretutto suggerisce consigli alle future generazioni e per me ha perfettamente ragione. Nella sua logica cerca di spiegare la differenza tra il mondo che ha vissuto in gioventù e il mondo del giorno d’oggi. Leggendo, chiunque sia nato in quel periodo, potrebbe sentirsi pienamente d’accordo, immedesimarsi nella storia perché è più o meno quella di tutti noi: i nati negli anni cinquanta. 

Un racconto pieno di flashback che non stonano e che rendono la lettura fin piacevole. Più che una biografia sembra quasi un romanzo soft. Verrebbe da dire pagine di vita vissuta… ed è verissimo. Gli amori, lo studio, lo sport, le amicizie, la famiglia e non ultimo il servizio militare. E a proposito di servizio militare, devo confessare che mi sono immedesimato nell’ultimo capitolo. Io non l’ho fatto, mi hanno riformato, ma ho sentito tantissimi racconti di amici che è come se lo avessi fatto. Beh, il racconto di Otello è talmente reale che chiunque leggendolo si sentirà accanto a lui: in caserma, nelle marce, in camerata, nei turni di guardia… insomma, Otello ci fa vivere e rivivere questa esperienza. 

E conclude questa bella carrellata di ricordi con quello trionfale del matrimonio, il matrimonio con la sua compagna di vita, che non conosco personalmente ma che mi sembra di aver conosciuto per tutta la vita.

                                                                                    Roberto Roganti