Il primo color book che ho comprato era a tema giapponese. Non ricordo di aver pensato: «Ecco, questa diventerà la mia passione». Mi piaceva il soggetto e avevo voglia di provare, senza costruirci sopra grandi aspettative. Avevo tra le mani un libro da colorare, non l’inizio di un progetto, e proprio per questo mi sono avvicinata alle prime pagine senza sentire il peso di dover riuscire bene.
Non disegnavo. Una pagina completamente bianca non mi suggeriva nulla e non avevo la capacità di trasformarla in una figura. Nel color book, invece, il punto di partenza esisteva già. Non dovevo chiedermi come tracciare un volto o come rendere credibile un paesaggio; potevo dedicarmi a quello che mi attirava davvero, cioè scegliere i colori e decidere come farli vivere dentro l’immagine.
Quel libro dedicato al Giappone mi ha dato subito molto materiale per fantasticare. Non mi interessava riprodurre fedelmente ciò che avrei potuto vedere in una fotografia. Preferivo seguire il mio gusto e lasciare che ogni pagina prendesse una direzione diversa. Un colore scelto senza pensarci troppo poteva cambiare l’idea che avevo all’inizio, costringendomi a cercarne un altro capace di accompagnarlo. In certi casi il risultato mi sorprendeva; in altri mi convinceva meno, ma non sentivo di aver rovinato tutto.
Ho iniziato così a inventare modi personali di colorare, senza sapere se avessero un nome e senza preoccuparmi di scoprirlo. Provavo a usare una tonalità in modo più leggero, poi ripassavo alcune zone per renderle più intense. Mettevo due colori vicini soltanto per capire quale effetto producessero insieme. Quando non trovavo la sfumatura che avevo in mente, cercavo di ottenerla lavorando con quelle che possedevo. Non seguivo una lezione: imparavo guardando ciò che succedeva sulla pagina.
Questa parte mi appassionava molto più del semplice riempire gli spazi. Ogni scelta apriva una possibilità e non sapevo in anticipo dove mi avrebbe portata. Anche un piccolo particolare poteva cambiare l’equilibrio dell’immagine e farmi modificare tutto il resto. Mi piaceva osservare quel cambiamento mentre avveniva, perché il disegno restava lo stesso, ma il modo in cui lo stavo interpretando apparteneva soltanto a me.
La passione è cresciuta in maniera naturale, senza bisogno di darle subito un nome. Ho cominciato a desiderare il momento in cui avrei riaperto il libro, non per terminarlo in fretta, ma per riprendere una pagina lasciata a metà o iniziarne una che mi attirava da giorni. Il piacere non stava soltanto nel risultato finale. Stava anche nell’indecisione davanti ai colori, nei ripensamenti, nei tentativi e in quelle scelte che sembravano strane finché non le vedevo sulla carta.
Colorare ha modificato anche il modo in cui attraversavo i momenti di stress. Quando la mente era piena, non riuscivo semplicemente a ordinarmi di smettere di pensare. Aprire il color book mi offriva però un’alternativa concreta: invece di restare ferma dentro la stessa preoccupazione, cominciavo a occuparmi di una tonalità, di un bordo o di un passaggio che richiedeva attenzione.
Non era una distrazione vuota. Sentivo che parte della tensione passava nel movimento della mano e nella concentrazione necessaria per portare avanti la pagina. Il pensiero che mi tormentava restava da qualche parte, ma non era più l’unica cosa presente. Tra me e quello che mi pesava compariva un’attività capace di coinvolgermi senza chiedermi spiegazioni.
Quella era diventata la mia valvola di sfogo. Potevo arrivare al libro nervosa, stanca oppure con la testa confusa e cominciare lo stesso. Non serviva aspettare l’umore giusto. Il colore accoglieva anche le giornate peggiori, quando avevo poca pazienza o sentivo il bisogno di usare tonalità più forti. Mentre lavoravo, lo stress perdeva lentamente intensità e io riuscivo a respirare dentro qualcosa che avevo scelto per me.
Il tema giapponese mi aiutava anche a spostarmi con la mente. Non avevo bisogno di inventare una storia precisa per ogni illustrazione. Mi bastava guardare una pagina e lasciarmi portare dalla sua atmosfera, completandola attraverso i colori che sentivo più adatti in quel momento. Quel viaggio non consisteva nel fingere di essere altrove, ma nel concedere alla mente uno spazio diverso da quello occupato dalle preoccupazioni.
Ogni immagine mi permetteva di costruire un piccolo mondo senza doverlo disegnare. Decidevo se renderlo delicato, acceso, profondo o pieno di contrasti. Nessuna scelta era definitiva fin dall’inizio, perché potevo cambiare idea durante il lavoro e seguire una strada che non avevo previsto. Questa libertà mi faceva sentire creativa senza obbligarmi a essere qualcosa che non ero.
Ho capito che colorare non rappresentava un ripiego per chi non sapeva disegnare. Era un linguaggio diverso, fatto di accostamenti, intensità e sensazioni. Qualcuno aveva tracciato le linee, ma non aveva scelto ciò che quelle immagini avrebbero trasmesso una volta riempite. Il mio intervento non era un’aggiunta automatica: era il modo in cui entravo nella pagina.
Dopo quel primo color book ho continuato perché avevo trovato un’attività capace di unire molte cose che cercavo senza saperlo. Mi permetteva di usare la fantasia, alleggerire la tensione e creare qualcosa di personale partendo da un’immagine già esistente. Non dovevo dimostrare talento, né arrivare a un risultato perfetto. Potevo limitarmi a scegliere un colore e vedere quale direzione avrebbe preso il resto.
Ripensando a quel libro giapponese, non ricordo soltanto le pagine completate. Ricordo soprattutto la scoperta di un piacere che non avevo previsto: prendere un disegno creato da qualcun altro e riconoscere, alla fine, che dentro quei colori era rimasto anche qualcosa di mio.
Nacque nella città di Gori, nella Georgia orientale, in una famiglia nobile. Le melodie popolari della sua terra natale furono le prime fonti della sua educazione musicale. In seguito, all'età di 6 anni, iniziò a studiare pianoforte e violino. Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Tbilisi (composizione), completò la sua formazione post-laurea nell'arte della composizione come allievo del Prof. P.B. Ryazanov. Successivamente (nel 1961) divenne professore al Conservatorio Statale di Tbilisi, grazie alla raccomandazione di D. Shostakovich e T. Khrennikov.
Tra i venti e i trent'anni fu arrestato più volte, ma il destino e la sua musica lo salvarono ripetutamente. Il suo primo successo arrivò con la composizione per pianoforte "Chorumi" del 1937. Fu dopo "Chorumi" che il grande direttore d'orchestra georgiano, direttore generale dell'Opera di Tbilisi e dell'Orchestra di Stato georgiana, E. Mikeladze, gli propose di comporre un'opera. A. Matchavariani scrisse la sua prima opera, "Madre e figlio", nel 1942. Il suo primo grande successo fu il concerto per pianoforte del 1944, eseguito per la prima volta a Tbilisi, pochi mesi dopo a Mosca, poi a Leningrado, in Germania e in altre città. Dopo aver composto le sue prime opere per orchestra: "Elegia" nel 1936, "Scherzo" nel 1936, "Mumli Mukhasa" nel 1939, Matchavariani compose la sua Prima Sinfonia in quattro movimenti nel 1947, che gli valse un grande successo.
La sinfonia fu eseguita per la prima volta a Tbilisi, Mosca e Leningrado, e successivamente in molte altre città. Per un certo periodo, insieme a D. Šostakovič e S. Prokofiev, fu accusato di "formalismo".
Dopo la morte di Stalin, la situazione iniziò a cambiare. Una nuova dimensione e un successo sensazionale per A. Matchavariani arrivarono dopo aver composto il suo famoso concerto per violino nel 1949, che fu eseguito in molti paesi. I primi interpreti furono M. Weiman (Leningrado) e D. Oistrach (Mosca). Il concerto fu registrato più volte da "Melodia", così come dalla "Columbia Records" negli Stati Uniti. Nel 1952 fu nuovamente inserito nella Lista Rossa e rischiava la deportazione insieme alla sua famiglia. Il destino lo salvò ancora una volta. L'oratorio "Il giorno della mia patria" fu composto nel 1955. Nello stesso anno la sua prima esecuzione ebbe luogo a Mosca, diretta da A. Gauk, che fu il primo interprete di quest'opera e di altre composizioni di A. Matchavariani. L'oratorio divenne uno dei brani più popolari in URSS e fu trasmesso molte volte dalla radio sovietica, con registrazioni per "Melodia". Nel periodo 1940-1955, Matchavariani compose molta musica da camera per pianoforte, violino, coro e voce. Molte di queste composizioni divennero i gioielli della musica georgiana e sovietica. "È una festa d'arte", scrisse il signor Tzarev su Soviet Culture nel 1958, a Mosca, dopo aver assistito a una rappresentazione al Teatro Bolshoi. "Otello" fu completato nel 1957. Questo balletto portò ad A. Matchavariani uno straordinario successo in Georgia, a Mosca (al Teatro Bolshoi), a Leningrado (al Teatro Kirov), in molte città dell'ex Unione Sovietica, negli Stati Uniti, a Parigi, in Giappone, in Finlandia, in Germania, in Romania e in molti altri luoghi. Con "Otello", si concluse un capitolo del linguaggio musicale di A. Matchavariani e iniziò una nuova espressione musicale.
Nel 1960 iniziò un'altra grande composizione, "Amleto", un'opera in due atti. Quest'opera rimase in lavorazione fino al 1967. L'opera fu proibita dalle autorità georgiane. Nel 1964 A. Matchavariani completò i “5 Monologhi” per baritono e orchestra, per i quali fu insignito del Premio S. Rustaveli. Con i “5 Monologhi” e con “Amleto”, A. Matchavariani diede inizio a un nuovo linguaggio musicale e a un modo molto più moderno di esprimere le sue idee musicali, insieme a un nuovo approccio alla strutturazione delle sue partiture. Con la Sinfonia n. 2 continuò a sviluppare questo nuovo linguaggio musicale nel 1972. La critica ha battezzato questa sinfonia come l'inizio del SINFONISMO FILOSOFICO in Georgia. Nel 1977 A. Matchavariani scrisse probabilmente la sua composizione più importante: il balletto “Il cavaliere dalla pelle di tigre”, tratto dal poema del XII secolo del più grande poeta e filosofo georgiano S. Rustaveli, orgoglio della Georgia. La sua prima produzione ebbe luogo a Leningrado, al teatro “Kirov” (Mariisky), con le coreografie di O. Vinogradov. “Il Cavaliere” ebbe un grande successo a Leningrado (per 7 anni), Mosca, negli Stati Uniti, a Parigi, in Giappone, a Tbilisi e in molti altri luoghi. Dopo aver scritto diverse composizioni di musica da camera, corale e vocale, nel 1979 scrisse la commedia musicale “L'insetto” ispirandosi a V. Mayakovsky. Nel 1983 Matchavariani completò le sinfonie n. 3 e n. 4. La Sinfonia n. 3 è una composizione di enorme potenza, profonda e tenera.
La Sinfonia n. 4 “La Gioventù” per archi, percussioni, pianoforte, celesta e arpa è una composizione scintillante, melodica, lirica e motoria, dal dinamismo elettrizzante. Dopo aver scritto il balletto in due atti “La bisbetica domata” ispirato a W. Shakespeare nel 1984, prosegue la linea della Sinfonia n. 3 e nel 1986 compone la straordinaria Sinfonia n. 5 “Ushba”. Sinfonia di 46 minuti in due parti (senza intervallo) di enorme potenza universale, quasi un trattato filosofico. Matchavariani impiega 8 corni, 4 trombe, 4 tromboni, 2 tube, 70 archi, un'orchestra imponente. Già nella Sinfonia n. 3 utilizzava 8 corni e 4 trombe, ma nella Sinfonia n. 5 Matchavariani si avvale di circa 115 musicisti.
Subito dopo “Ushba” scrive la sua sinfonia n. 6 “Amirani” (Prometeo) del 1987, che prosegue la linea della sinfonia n. 5 e segna l'inizio del terzo capitolo di un nuovo linguaggio musicale. Sempre nel 1987 compone anche un concerto per violoncello, per archi, arpa e violoncello, in tre movimenti. Le composizioni successive sono la Sinfonia n. 7 “Gelati” (1989) per coro e orchestra, ispirata ai poemi del re Davide, fondatore della Georgia, l'opera “Medea” in due atti (1991) e il balletto “Pirosmani” (1992) in due atti, quest'ultimo mai rappresentato, così come il balletto “La bisbetica domata”.
Queste composizioni non sono state rappresentate perché A. Matchavariani si trovava spesso in contrasto con le autorità georgiane, per via della sua tendenza a dire sempre la verità. A. Matchavariani ha composto 4 quartetti per archi, due sonate per pianoforte, una sonata per violino, numerose composizioni per pianoforte, violino, violoncello, coro e voce, oltre a musiche per teatro e cinema. Il film "Il segreto dei due oceani", di cui ha composto la colonna sonora, è stato premiato al Festival del Cinema di Venezia. La sua musica è stata incisa da etichette discografiche come Melodia, Columbia Records e altre, e trasmessa anche per radio e televisione. A. Matchavariani ha scritto anche molte poesie e trattati filosofici, oltre alle sue riflessioni sulla musica. Era una persona generosa, profonda, ottimista, profondamente spirituale e un grande umanista.
A. Matchavariani è morto il 31 dicembre 1995, e pochi giorni dopo il quotidiano moscovita “Kultura” scrisse: “Il tuo volto è eccellente – in ogni composizione, in ogni pagina di spartiti sinfonici, operistici, di balletto; in ogni frase, linea, nota, di musica vocale e strumentale… Alexei Matchavariani – amico ed eroe della redazione del nostro giornale. Redazione di “Kultura”. Mosca, 13-01-96.”.
