Duncan MacLain, Stati Uniti, 1941 / Baynard H. Kendrick
Capitano del servizio segreto statunitense durante la Prima guerra mondiale, Duncan MacLain è diventato cieco in seguito a una ferita riportata in uno scontro, ma non si è lasciato abbattere psicologicamente e grazie a una grande forza di volontà è riuscito ad avere la meglio su questa menomazione sviluppando al massimo gli altri sensi. Tanto da riuscire a svolgere con successo la certo non facile professione di investigatore privato.
Ascoltando i rumori è in grado di mirare e di sparare, colpendo quasi sempre nel segno, e se è buio è anche avvantaggiato perché in quel caso è certo lui a "vederci" meglio. Nelle sue indagini gli danno una mano il socio Samuel "Spud" Savage (che a un certo punto ha sposato la loro segretaria, Rena, mentre Duncan MacLain ha sposato la dolce Sybella Ford, proprietaria di un negozio di arredamento) e i cani
Dreist e Schnuke, silenziosi ed efficaci. Quando non risolve i crimini, Duncan trascorre il tempo leggendo (in Braille) e facendo puzzle giganti nel suo elegante attico di Manhattan sulla 72esima e Riverside Drive.
Kendrick è nato a Filadelfia e si è recato in Canada come primo cittadino americano per arruolarsi nell'esercito canadese durante la prima guerra mondiale. Prestò servizio in Inghilterra, Francia e Salonicco. Durante il suo servizio, un collega di Filadelfia, che prestava servizio con i canadesi, fu accecato. Quando Kendrick gli fece visita a St Dunstan's, incontrò un soldato inglese cieco che aveva una notevole capacità di raccontargli cose su se stesso che una persona vedente potrebbe non aver notato.Il ragazzo toccò i bottoni, l'uniforme e le insegne di Kendrick e dichiarò accuratamente e rapidamente lo stato di servizio di guerra di Kendrick.
I romanzi sono stati la base per due film con Edward Arnold, Eyes in the Night (1942) e The Hidden Eye(1945).
Kendrick è stato accreditato da Stirling Silliphant per essere la fonte del personaggio di Longstreet su un investigatore assicurativo cieco. Ha anche scritto usando lo pseudonimo di Richard Hayward.
I romanzi con Duncan MacLain sono stati pubblicati in Italia dalla Casa Editrice La Tribuna.
noto anche come Arutunian, Arutyunyan, Arutjunjan, Harutyunian o Harutiunian
(Yerevan 23 settembre 1920 - 28 marzo 2012)
E' stato un pianista sovietico e armeno conosciuto per io suo Concerto per tromba del 1950. Professore al Conservatorio statale di Yerevan, è stato premiato con numerosi premi per il suo lavoro, tra cui il Premio Stalin nel 1949 e l'Artista Popolare dell'URSS nel 1970, oltre a numerosi riconoscimenti dalla sua terra natale, l'Armenia.
Arutiunian è nato a Yerevan, Prima Repubblica d'Armenia, nella famiglia di Grigor ed Eleonora Arutiunian. Suo padre era un militare. Nel 1927, Arutiunian divenne membro del gruppo dei bambini del Conservatorio statale di Yerevan, poi, all'età di 14 anni, fu ammesso al Conservatorio negli studi di Olga Babasyan (pianoforte) e Sergei Barkhudaryan e Vardges Talyan (composizione). Si è diplomato al Conservatorio di musica di Yerevan alla vigilia della seconda guerra mondiale. Dopo la guerra si trasferisce a Mosca, dove tra il 1946 e il 1948 partecipa ai laboratori della Casa della Cultura Armena, studia composizione con Genrikh Litinsky. Dopo la laurea tornò a Yerevan per insegnare al Conservatorio locale e nel 1954 fu nominato direttore artistico della Filarmonica di Stato armena. È stato anche membro del Consiglio dell'Unione dei compositori sovietici, nonché dell'Unione dei compositori della SSR armena.
Nel 1949, Arutiunian compose la "Festive Overture" che fu eseguita per la prima volta nella Sala Grande della Filarmonica di Leningrado nel novembre 1949, con la direzione di Yevgeny Mravinsky. Altre opere di questo tipo includono The Tale of Armenian People (1960), Ode to Lenin (1967) e Hymn to the Brotherhood (1970).
Alcune delle opere di Arutiunian per strumenti a fiato includono il suo Concerto per Tromba del 1950, il concerto per tuba e il quintetto di ottoni Armenian Scenes. Nel 1988, ispirato dal terremoto di Spitak, Arutiunian compose il suo Concerto per violino e orchestra d'archi, Armenia-88 (dedicato a Ruben Aharonyan). La prima ha avuto luogo a Yerevan nel 1989.
Nel 1950, Arutiunian sposò Irina (Tamara) Odenova. Il loro matrimonio ha prodotto due figli, una figlia, Narine (nata nel 1951), pianista e avvocato; e un figlio, Suren (nato nel 1953), artista-designer. La sua famiglia allargata comprende tre nipoti e un nipote. Morì all'età di 91 anni nella sua città natale di Yerevan. Arutiunian è sepolto al Komitas Pantheon che si trova nel centro della città di Yerevan.
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Concerto per tromba in la bemolle maggiore (1950)
Andante—Allegro energico
Meno mosso
Tempo I
Meno mosso
Tempo I – (Cadenza) Coda
Le caratteristiche melodiche e ritmiche della musica popolare armena hanno una forte influenza nel lavoro di Arutiunian. Come compositore, ha espresso la sua nazionalità incorporando il sapore delle improvvisazioni ashughner (menestrello popolare). Al momento della stesura del concerto, il suo stile compositivo era simile a quello di Khachaturian. Tuttavia, negli anni '60 tendeva a forme classiche e tonalità più chiare.
Il concerto per tromba di Arutiunian era la sua sesta composizione maggiore, scritta nel 1950. Arutiunian intendeva originariamente scriverlo nel 1943 per uno studente di Tabakov, Zsolak Vartasarian, che era la tromba principale dell'orchestra filarmonica armena. Tuttavia, Vartasarian morì durante la guerra e il concerto non fu completato fino al 1950, quindi Aykaz Messlayan fu il primo esecutore del concerto e Timofei Dokschitzer fu il primo a registrare questo concerto.
L'introduzione del concerto negli Stati Uniti è dovuta esclusivamente a Dokschitzer, un importante trombettista russo sovietico.
(Anversa, 25 dicembre 1808 – Asnières, 15 giugno 1869)
Compositore belga, studiò a Parigi sotto la guida di Antonín Reicha. La sua opera di esordio fu Le mariage impossible, rappresentata nel 1833 a Bruxelles, seguita da Sarah nel 1836, L'an mil nel 1837, La Suisse à Trianon nel 1838, Les travestissements nel 1839; alcune opere le realizzò in collaborazione con François-Adrien Boieldieu.
L'anno seguente si trasferì a Napoli per un corso di aggiornamento sotto la guida di Saverio Mercadante; al suo rientro parigino riprese la sua attività di compositore teatrale con i lavori Gilles ravisseur del 1848, Bon soir, Mensieur Pantalon del 1851, Le carilloneur de Bruges del 1852. Collaborò con Friedrich von Flotow per L'eau merveilleuse (1839) e con François-Adrien Boieldieu per L'opéra à la cour (1840).
Grisar si contraddistinse con questa opera storica-politico-drammatica, ambientata a Bruges durante la dominazione spagnola. I protagonisti sono il patriota belga Mathéus con il suo vecchio carillon, sua figlia Béatrix innamorata di Wilhem. Mathéus concede a Wilhem la mano di sua figlia, ma il nipote di Mathéus Van Bruck e suo cugino Mésangère insinuano che un amante misterioso abbia baciato Béatrix e questo fatto crea confusione. La vicenda si conclude con la chiamata alla rivolta contro gli spagnoli e il salvataggio di Béatrix dai suoi intenti suicidi. Il Carillonneur de Bruges debuttò all'Opéra-Comique di Parigi il 20 febbraio 1852 e ricevette molti consensi di pubblico e di critica.
È un ex-medico, radiato dall'Ordine per aver praticato un'eutanasia su una paziente in stato terminale. Le indagini di Lamberti sono tutte ambientate a Milano e dintorni, nella seconda metà degli anni sessanta («Come medico, aveva troppa pietà dei malati, voleva proprio curarli, voleva proprio guarirli, voleva proprio aiutarli ( ... ) e aveva anche dolore del loro dolore, uno così non deve fa re il medico»), Duca Lamberti non è un vero e proprio investigatore privato anche se, in un modo o nell'altro, deve pur fare qualcosa nella vita ed è stato quindi costretto a imparare a destreggiarsi nei confronti della malavita dura e violenta che opera a Milano e nell'hinterland del capoluogo lombardo.
Duca Lamberti è figlio di un poliziotto di origini romagnole che, dopo aver prestato servizio in Sicilia (dove fu accoltellato in servizio, da uomini della mafia), venne trasferito a Milano, presso la Questura di via Fatebenefratelli. Grazie ai sacrifici del padre, e dietro la sua spinta, Duca consegue la laurea in medicina e inizia ad esercitare la professione medica presso una rinomata clinica gestita da un cinico primario. Il giovane medico ha in cura un'anziana signora, ormai allo stadio terminale e, dietro sua esplicita richiesta, le somministra un'iniezione letale. Duca viene processato per aver praticato l'eutanasia e condannato a tre anni di carcere. Il padre di Duca non riesce a sostenere gli eventi e muore a pochi giorni dalla sentenza. Durante la prigionia, Càrrua, amico e collega del padre, si occuperà del sostentamento della sorella di Duca, Lorenza, e della piccola Sara (nata da una relazione illegittima di Lorenza). Appena Duca esce dal carcere viene aiutato da Càrrua che gli procura un incarico molto confidenziale. Duca trasforma la particolare situazione che gli viene affidata in una vera e propria indagine poliziesca andando contro ogni superficialità e perbenismo. Durante questa indagine viene affiancato dall'agente Mascaranti che, d'ora in poi, sarà al suo fianco in ogni indagine. Duca incontra anche la giovane laureata Livia Ussaro che viene coinvolta tragicamente nell'indagine e che diventerà la sua compagna. Questa prima indagine viene descritta nel primo romanzo, Venere privata.
Nel successivo Traditori di tutti Duca viene coinvolto nell'indagine sulla morte dell'avvocato Sompani, suo compagno di carcere, e riesce a smascherare una banda dedita al traffico d'armi e droga. Durante questa indagine Duca acquista la consapevolezza di essere tagliato per fare l'investigatore e decide di accettare la proposta di Càrrua e di diventare poliziotto presso la Questura di Milano.
Emarginato frustrato e poco fiducioso negli altri oltre che poco portato ai rapporti umani, questo personaggio è un cinico che ha imparato a proprie spese che non bisogna mai abbassare troppo la guardia e che è sempre meglio essere i primi ad aggredire gli altri per difendersi se non si vuole soccombere. Trasformatosi controvoglia in un investigatore privato, nel suo nuovo lavoro ha spesso a che fare sia con l'industria del crimine sia con ciò che si nasconde dietro il perbenismo della ricca borghesia milanese.
E talvolta non riesce proprio a stabilire che cosa sia davvero peggio. Le sue indagini, condotte a fianco dell'amico commissario Carrua, della questura di Milano, rappresentano, come ha scritto Loris Rambelli «Una sorta di viaggio nel purgatorio, che permette a colui che ha un marchio sulla sua fedina penale, di
riscattarsi e di reinserirsi nella società». Tanto è vero che nell'ultimo romanzo della serie, I milanesi ammazzano al sabato (1969), Duca Lamberti riesce a essere riammesso nell 'ordine dei medici.
«Non sappiamo quale vita condurrà dopo - conclude Rambelli; - possiamo soltanto immaginarla: sarà, a ogni modo, molto più grigia di quanto possa sembrare».
A esclusione di Traditori di tutti (1966), i romanzi di Giorgio Scerbanenco con Duca Lamberti pubblicati da Garzanti, sono stati portati sullo schermo.
Aav ha studiato pianoforte con Helmi Viitol-Mohrfeldt e teoria musicale con Anton Kasemets. Nel 1926 ha superato l'esame di composizione con Artur Kapp al Music College di Tallinn. Ha cantato nel coro dell'opera estone per 10 anni (1916-1926), è stato direttore dell'orchestra e del coro dell'Accademia militare di Tallinn dal 1924 al 1927, e dal 1934 al 1939 è stato responsabile del coro maschile Eesti Laulumehed (estone Singers), e dal 1937 al 1939 diresse il Tallinna Koolinoorsoo Muusika Ühingu (coro misto del Dipartimento di musica giovanile di Tallinn). Aav ha contribuito notevolmente all'organizzazione della vita musicale estone. Tra il 1932 e il 1939 ha lavorato per l'organizzazione che regola i diritti d'autore dei compositori in Estonia (Autorikaitse Ühingus), dal 1930 al 1939 ha scritto molti articoli sulla musica per la rivista 'Muusikaleht', dal 1930-1939 è stato membro del Consiglio di amministrazione dell'Associazione dei cantanti estoni. Dopo la sua morte, l'Evald Aav Stipendium fu fondato nel 1943 dalla sorella di Aav, Frida Rukki, con lo scopo di sostenere il talento compositivo estone.
Aav è stato sposato con la cantante lirica Ida Loo-Talvari dal 1926 al 1937, quando la coppia ha divorziato.
Aav ha composto la prima opera nazionale estone, The Vikings, che ha debuttato nel 1928 ed è stata scritta in lingua estone - il libretto fornito da Voldemar Loo. La parte principale delle sue composizioni è vocale, per coro misto, o coro maschile o femminile in estone. Una parte è orchestrale. Il suo poema sinfonico "Elu" (Vita) è noto in una certa misura.
Le canzoni corali più famose di Aav sono "Laulik", "We are the children of Põhjamaa lastie", "Hommik", "Öösse är kadus" e "Humal". Le sue opere sono state eseguite in festival canori.
Le composizioni di Aava sono caratterizzate da nazionalismo, romanticismo nazionale. Il linguaggio sonoro è descritto con le parole "Nordità", "sensibilità", "fluidità". Evald Aav è stato anche pittore e scultore.
Opera: Vikerlased, (De Vikings), in 3 atti, libretto: Voldemar Loo, prima assoluta 8 settembre 1928, Estonian Opera, diretta da Raimund Kull
"Ah, la mia amata strada di campagna", (Meil aiaäärne tänavas), per 4 corni e orchestra d'archi
Valzer da concerto, 1934
Suite per orchestra sinfonica dall'opera Vikerlased, 1934
In un primo tempo fu forse allievo dello zio Lorenzo e poi di Giovanni Maria e Giovanni Bernardino Nanino. Fu maestro di cappella della Cappella musicale Pia Lateranense della Basilica di San Giovanni in Laterano a Roma dal 1626 al 1628, passando 1629 nella Cattedrale della città natale, dove sposò, il 30 ottobre 1631, Dorotea Giustini. Nel 1633 si trasferì a Orvieto, iscrivendosi all'Accademia degli Assorditi e dirigendo la cappella musicale del Duomo. Fu ancora a Roma l'anno successivo e nuovamente a Città di Castello, riprendendo servizio presso la cattedrale il 3 gennaio 1639.
L'anno dopo era nuovamente a Roma, dove si fermerà a lungo: maestro della cappella di Santa Maria Maggiore, con qualche interruzione, fino al 13 giugno 1677, ed ebbe il titolo di «guardiano dei maestri» nel 1663, 1666 e nel 1669 nell'Accademia di Santa Cecilia. Ormai vecchio, preferì tornare a Città di Castello, sovrintendente della Cattedrale, per morirvi alla fine del 1679.
Compositore di opere, musica corale e sacra, è considerato come uno dei principali precursori dello stile monumentale alto-barocco. Infatti pur coltivando la polifonia sacra si discostò dallo stile estremamente rigido e severo che dominava in quel periodo e che si rifaceva alle composizioni di Giovanni da Palestrina. Abbatini era invece assai attratto dai nuovi caratteri dell'opera musicale, che prevedeva un apporto espressivo alla musica più incentrato sulla drammaticità, per coinvolgere maggiormente coloro che si avvicinavano ad essa. Abbatini fu dunque influenzato dalla Seconda pratica teorizzata da Claudio Monteverdi e fu pertanto anche operista, componendo vari lavori tra cui La comica del cielo, Ione e soprattutto la prima opera lirica di argomento comico: Dal male il bene, su libretto del futuro papa Clemente IX e caratterizzata dall'uso del recitativo secco.
«Durante tutta la mia vita ho interpretato sulle tavole del palcoscenico il delitto, la passion e l'asassinio, che rappresentano l'apice del dramma umano. Ora, se mi è possibile, vorrei interpretarlo nella vita vera, coprendolo, sviscerandolo dalle vicende delle persone reali. E credo di poter offrire a questo scopo qualità veramente uniche, perché, sulla scena ho ucciso per un numero incalcolabile di volte. Ho sofferto l'agonia dell'intrigo, le torture della coscienza. Sono stato Macbeth, sono stato Amleto. ( ... ) Ho esperienza, comprensione, introspezione, concentrazione: ecco perché posso affermare di possedere facoltà di deduzione e indagine».
Ecco come il sessantenne - ma dimostra almeno venti anni di meno - ex attore Drury Lane, costretto ad abbandonare le scene per una progressiva sordità, si presenta all'esterrefatto ispettore Thumm, «Un uomo gigantesco con il volto brutto come il peccato».
E le perplessità dell'ispettore Thumm aumenteranno non poco quando scoprirà che l'eccentrico sessantenne, che preferisce leggere le parole sulle labbra della gente piuttosto che usare un normale apparecchio acustico, ama indossare costumi shakespeariani e si è ritirato a Hamlet, nei pressi di New York, in un castello sul fiume Hudson, zeppo di armature e cimeli elisabettiani, dove vive in compagnia del gobbo Quacey, suo parrucchiere e truccatore durante quarant'anni di teatro.
La carriera di investigatore dilettante dell'ex attore inizia quando, senza neppure uscire dal proprio castello, scopre chi ha assassinato un agente di cambio senza scrupoli. Da quel momento aiuterà in altre occasioni l'ispettore Thumm, contribuendo in modo determinante all'esito positivo di varie indagini. La sua filosofia? «Tante volte l'uomo della strada scopre la verità più facilmente del tecnico, perché non è distratto dalla teoria ma si attiene strettamente alla logica dei fatti».
Creato nel 1932 e in seguito protagonista di altri tre romanzi, pubblicati in Italia da Mondadori, Drury Lane costituisce una sorta di ponte gettato tra il passato e il futuro dei due autori (Fredric Dannay e Manfred Lee, che qui firmano come Barnaby Ross, ma più noti con lo pseudonimo di Ellery Queen), in quanto questo personaggio ha qualcosa del primissimo Ellery Queen, anticipandone le future analisi psicologiche.
I romanzi che hanno come protagonista Drury Lane costituiscono un ciclo unitario ed autoconclusivo, in cui Ellery Queen sperimenta vari sottogeneri del romanzo giallo, con caratteristiche che verranno poi riprese nei successivi romanzi dell'omonimo detective: l'iniziale La tragedia di X (1932), il secondo romanzo del ciclo La tragedia di Y (1932), il terzo romanzo, La tragedia di Z (1933), il quarto romanzo del ciclo, Cala la tela (1933).
La conclusione del libro mette fine al ciclo stesso dei quattro romanzi, lasciando tuttavia irrisolti alcuni punti focali della storia gialla. Viene sostanzialmente messa in crisi la razionalità che caratterizza tutti i tradizionali romanzi di Ellery Queen.
Els Aarne, che assunse il nome da sposata Else Paemurru, è stata una compositrice, pianista e insegnante estone. È nata a Makiivka, una città industriale nell'attuale Ucraina orientale, figlia di Jan Aarmann, scienziato e dirigente minerario.
Membro dell'Unione dei Compositori estoni dal 1945. Els Aarne si è diplomata al Conservatorio statale di Tallinn in tre specialità: pedagogia musicale nella classe di Gustav Ernesaks (1939), pianoforte nella classe di Theodor Lemba (1942) e composizione sotto Heino Eller (1946).
Ha lavorato come insegnante di pianoforte e pedagoga di materie di teoria musicale al Seminario per insegnanti di Tallinn (1939–1945), al Conservatorio statale di Tallinn (1944–1974) e alla Scuola di musica di Tallinn per un periodo più breve.
Tra le opere di Aarne troviamo due sinfonie, diversi concerti, per pianoforte, tre per violoncello, un concerto per contrabbasso e un concertino per corno francese, musica per orchestra di fiati, dieci cicli di canzoni solistiche su testi di poeti estoni, musica da camera e corale, ì per coro di voci bianche come Cat's song (1955) e Song about a grasshopper (1960). Come strumento solista, Aarne ha scelto anche il contrabbasso, solitamente poco utilizzato (Concerto per contrabbasso (1968), Sonata per contrabbasso (1976) e il corno francese (Concertino (1958), Meditazione (1970) e Dialogo (1972), inoltre Opening Pezzo (1963) per nove corni). Nelle sue opere si possono trovare l'uso di melodie popolari estoni o i modi ad essi specifici, ma anche nuovi mezzi espressivi come la dodecafonia libera. I soggetti delle sue opere vocali sono diversi: lavoro, patria, natura, umorismo, relazioni umane. Con la sua musica illustra sottilmente lo stato d'animo che si riflette dal testo, anche da una singola parola.
La musica da camera di Aarne, principalmente con la sfumatura lirica, è stata eseguita da molti musicisti estoni come Elsa Maasik, Georg Ots, Margarita Voites, Peep Lassmann, Mait e Peeter Paemurru, Mare Teearu, Uve Uustalu e Kalle Kauksi, con Els Aarne stessa come partner dell'ensemble a volte. I canti corali sono stati eseguiti dal Coro maschile accademico statale, dal Coro femminile dei lavoratori dell'istruzione di Tallinn e altri, la musica sinfonica dall'Orchestra sinfonica della radio estone (direttori Paul Karp, Roman Matsov, Neeme Järvi, Peeter Lilje, Jüri Alperten, Olev Oja). "Cat's song" (1955) e "Song about a grasshopper" (1960) per coro di bambini e Sea of Piece (1960) per orchestra di fiati sono stati nel programma delle celebrazioni canore generali.
L'attività musicale di Els Aarne era abbastanza vasta. I suoi libri di scuola specifici hanno dato il contributo all'insegnamento del solfeggio. I problemi di teoria musicale sono stati trattati nella ricerca "Modalità nei brani popolari estoni" (1973, manoscritto). Aarne si è esibita come pianista da concerto e suonatore d'ensemble, è stato attiva come critico musicale per il settimanale culturale “Sirp ja Vasar”, ha fatto trasmissioni radiofoniche di interpreti e compositori estoni. Il suo cortometraggio Azalea è stato premiato al concorso tutto sindacale per film amatoriali, è stata premiata anche a concorsi fotografici.
Il suo stile è caratterizzato da una chiarezza di forma ed è influenzato dalle melodie e dai modi della musica popolare estone. Non ha evitato nuove tecniche come la dodecafonia. La sua musica da camera è lirica e le sue opere vocali sono una sottile illustrazione dello stato d'animo riflesso nei testi.
(Tourcoing, 5 aprile 1869 – Royan, 23 agosto 1937)
Trascorse sette anni come guardiamarina, da adulto si dedicò alla musica e divenne uno dei più importanti compositori francesi del periodo tra le due guerre. I suoi primi lavori furono fortemente influenzati dall'impressionismo di Debussy e Ravel, mentre in seguito si rivolse al neoclassicismo.
Nato a Tourcoing (Nord), il primo interesse di Roussel non era per la musica ma per la matematica. Trascorse del tempo nella marina francese e nel 1889 e nel 1890 prestò servizio nell'equipaggio della fregata Iphigénie e trascorse diversi anni nel Vietnam meridionale. Questi viaggi lo hanno influenzato artisticamente, poiché molte delle sue opere musicali rifletterebbero il suo interesse per luoghi lontani ed esotici.
Dopo le dimissioni dalla Marina nel 1894, iniziò a studiare armonia a Roubaix, prima con Julien Koszul (nonno del compositore Henri Dutilleux), che lo incoraggiò a proseguire la sua formazione a Parigi con Eugène Gigout; Roussel continuò poi i suoi studi fino al 1908 alla Schola Cantorum de Paris, dove uno dei suoi insegnanti fu Vincent d'Indy. Durante gli studi, Roussel ha anche insegnato. I suoi studenti includevano Erik Satie e Edgard Varèse.
Durante la prima guerra mondiale, Roussel prestò servizio come autista di ambulanze sul fronte occidentale. Dopo la guerra, acquistò una casa estiva in Normandia e vi dedicò la maggior parte del suo tempo alla composizione. A partire dal 1923, un altro studente di Roussel fu Bohuslav Martinů, che dedicò a Roussel la sua Serenata per orchestra da camera (1930).
Il suo sessantesimo compleanno è stato segnato da una serie di tre concerti delle sue opere a Parigi; i concerti includevano anche l'esecuzione di una raccolta di brani per pianoforte, Homage to Albert Roussel, scritti da diversi compositori, tra cui Ibert, Poulenc e Honegger.
Roussel morì a Royan, nel 1937, e fu sepolto nel cimitero di Saint Valery a Varengeville-sur-Mer.
Per temperamento Roussel era prevalentemente un classicista. Sebbene i suoi primi lavori siano stati fortemente influenzati dall'impressionismo nella musica, alla fine è arrivato a uno stile personale che era più formale nel design, con una forte spinta ritmica e con un'affinità più distinta per la tonalità funzionale rispetto a quella che si trova nel lavoro dei suoi più famosi contemporanei Debussy, Ravel, Satie e Stravinsky.
La formazione di Roussel alla Schola Cantorum, con la sua enfasi su modelli accademici rigorosi come Palestrina e Bach, ha lasciato il segno nel suo stile maturo, caratterizzato da trame contrappuntistiche. Nel complesso l'orchestrazione di Roussel è piuttosto pesante rispetto allo stile sottile e sfumato di altri compositori francesi come Debussy o, appunto, Gabriel Fauré. Ha conservato qualcosa dell'estetica romantica nelle sue opere orchestrali, e questo lo distingue da Stravinsky e Il gruppo dei sei (Darius Milhaud, Arthur Honegger, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre, Georges Auric e Louis Durey).
Era anche interessato al jazz. Questo interesse lo portò a scrivere una composizione per pianoforte e voce intitolata Jazz dans la nuit, che era simile nella sua ispirazione ad altre opere di ispirazione jazz come il secondo movimento della Sonata per violino di Ravel o La création du monde di Milhaud.
Le opere più importanti di Roussel furono i balletti Le festin de l'araignée, Bacchus et Ariane ed Enea e le quattro sinfonie, di cui la Terza in sol minore e la Quarta in la maggiore, sono molto apprezzate e incarnano il suo stile neoclassico maturo. Le sue altre opere includono numerosi balletti, suite orchestrali, un concerto per pianoforte, un concertino per violoncello e orchestra, un salmo per coro e orchestra, musica di scena per il teatro e molta musica da camera, musica per pianoforte solo e canzoni.
Symphony No. 3 in G minor, Op. 42
Composta su commissione di Kussevitzki per il cinquantesimo anniversario dell'Orchestra Sinfonica di Boston, è una delle opere migliori del Roussel maturo. Essa risente ancor più di altre composizioni del musicista di uno spirito neoclassico, di una tendenza alla costruzione lucida e lineare, in cui non c'è posto per elementi patetici o introspettivi. Nel suo insieme ne risulta un pezzo brillante, vigoroso, alimentato da una fantasia fervida, nonostante che tutta la partitura si basi essenzialmente su unico brevissimo tema, in obbedienza ai dettami "ciclici" che la musica francese conosceva dai tempi di Franck. La strumentazione vi è più che mai sapiente e colorita, in tutto degna della migliore tradizione francese.
Il primo movimento - "Allegro vivo" - si basa su due motivi contrastanti in cui sono presenti tutti gli elementi dei posteriori sviluppi. Il secondo - "Adagio" culmina in un fugato per lasciare poi il posto a un Terzo - "Vivace" in tempo di valzer, con un "trio" di intonazione lirica e quasi sognante. Conclude la Sinfonia il quarto movimento - "Allegro con spirito" che tiene il posto del classico rondò: è un brano dai movimenti aggraziati, che mette in rilievo alcuni strumenti in funzione solistica prima di concludere riprendendo il tema iniziale della Sinfonia.
Dopo aver esordito nel 1949 alla radio, con Jack Webb nel ruolo del sergente Joe Friday, un poliziotto di Los Angeles che lavorava sodo e che sembrava che non avere neppure un minuto di tempo per la propria vita privata, questa serie approdò a alla televisione il 16 dicembre 1951.
Caratterizzata da un discreto realismo (alla fine di ogni episodio una voce fuori campo diceva qualcosa tipo: "La storia che avete appena visto è vera. I nomi sono stati cambiati per proteggere gli innocenti"), da un intenso lavoro investigativo, dall'utilizzo del gergo poliziesco e da una certa violenza (che oggi farebbe soltanto sorridere , ma che a quei tempi provocò qualche polemica), Dragnet è uno dei più famosi programmi polizieschi della della storia della televisione americana.
Creata, prodotta, diretta e interpretata da Jack Webb, via via affiancato da numerosi quanto effimeri interpreti (Barton Yarborough, Barney Philips, Ben Alexander. .. ), questa serie inedita in Italia, è andata in onda fino al 6 settembre 1959.
Può essere curioso ricordare che nell'ultimo episodio il sergente Joe Friday veniva finalmente promosso tenente. Otto anni dopo, una nuova versione di Dragnet torna sugli schermi televisivi americani (dal 12 gennaio 1967 al 10 settembre 1970)
e ancora una volta Jack Webb indossa i panni di Joe Friday, "retrocesso" a sergente.
La retata (Dragnet) è un film del 1987 diretto da Tom Mankiewicz, basato sulla nota serie televisiva Dragnet e interpretato da Dan Aykroyd e Tom Hanks. Aykroyd originariamente voleva Jim Belushi nel cast per svolgere il ruolo del grande compagno e amico dell'agente Friday Pep Streebek, ma Belushi non era disponibile e quindi fu chiamato Tom Hanks per il ruolo. Il gruppo elettronico britannico Art of Noise ha prodotto un aggiornamento della serie musicale originale per i titoli del film, tutti basati sull'utilizzo del tema della serie originale e la contrapposizione delle frasi pronunciate nel corso del film dall'sergente Friday. La colonna sonora include anche una canzone originale chiamata "City of Crime", una collaborazione che unisce il rock è l'hip-hop eseguita da Aykroyd e Hanks con il bassista / vocalist Glenn Hughes e il chitarrista Pat Thrall. Il brano è suonato sui titoli di chiusura del film e ha avuto un video musicale promozionale che ha visto come attori gli stessi Aykroyd e Hanks.
Compositore e pianista austriaco. Dopo gli studi in giurisprudenza, si dedica al pianoforte, strumento che pratica sin dall'infanzia. Divenne un insegnante di pianoforte e creò le variazioni di pianoforte che Mozart usò nelle sue lezioni. I due uomini sembrano molto vicini, come si può vedere dalla partitura autografa di una sinfonia Eberl del 1783 che reca le correzioni di Mozart. Quando morì nel 1791, compose la cantata funebre Bey Mozarts Grab (La tomba di Mozart).
Nel 1796 fu nominato maestro del coro e compositore alla corte di Paolo I primo russo a San Pietroburgo. Le composizioni di questo periodo sono purtroppo perdute.
Di ritorno a Vienna, la sua opera La regina delle isole nere è stata un fallimento, ma Haydn ha difeso fermamente l'apertura. Poi ha creato una delle sue sinfonie di maggior successo, in mi bemolle maggiore, op. 33, che annuncia Schubert. Per creare il 3° sinfonia di Beethoven in aprile 1805, è la sinfonia in E flat major (dato anche quel giorno) che è preferito dal pubblico e dalla critica. Eberl è morto di sepsi, mentre ha appena composto la sua ultima sinfonia dedicata allo zar Alessandro.
Anche se da allora è praticamente caduto nell'oblio (fino alla sua recente riscoperta), va notato che Eberl era un grandissimo compositore, unanimemente considerato ai suoi tempi, alla pari dei più grandi, come Haydn, Mozart e Beethoven, e persino spesso confrontati favorevolmente su di loro, sia dalla critica che dal pubblico. Era, tra gli altri, ammirato da brillanti compositori del suo tempo come Gluck e Haydn. Ma la sua popolarità ha fatto sì che molte delle sue opere (come la sua Sonata per pianoforte op. 1) fossero erroneamente attribuite a ... Mozart. Così, le variazioni per pianoforte su Zu Steffen sprach im Traume furono pubblicate quattordici volte sotto il nome di Mozart, e non una volta sotto quello del loro vero compositore.
La Sinfonia in mi bemolle maggiore, Opus 33 del compositore viennese Anton Eberl (1765-1807) fu scritta nel corso del 1803. La prima ebbe luogo a Vienna, in Austria, il 6 gennaio 1804. Inoltre, nello stesso concerto Eberl ha eseguito per la prima volta il suo Concerto per pianoforte in mi bemolle op. 40, e il suo Concerto per due pianoforti in si bemolle op. 45. È di stile classico. Il tempo di esecuzione è di circa 30 minuti. È segnato per 2 flauti, 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti, 2 corni, 2 trombe, timpani e archi. L'opera è stata dedicata da Eberl al principe Lobkowitz, o Le Prince Regnant De Lobkowitz.
Fu eseguita nuovamente un anno dopo, il 20 gennaio 1805, in un concerto domenicale semipubblico organizzato dal banchiere viennese Joseph Würth, in diretta concorrenza con la prima esecuzione della Sinfonia Eroica di Beethoven (la sua Sinfonia n. Mi ♭ maggiore, op. 55), un critico dell'AMZ ha osservato che la sinfonia di Eberl era "straordinariamente piacevole, e in realtà ha così tanto di bello e potente" e la sinfonia è stata "gestita con così tanto genio e arte, che sarebbe difficile che fallisse se fosse stato ben provato. Si è rivelato eccezionalmente bene, pieno di idee nuove e ben profilate. Possa questa sinfonia essere presto pubblicata e ampiamente diffusa, e il signor Eberl continui a dedicare il suo talento a questo genere". era stridulo e bizzarro, il che rende estremamente difficile una visione d'insieme e quindi l'unità è quasi del tutto persa”. Nella prima rappresentazione completamente pubblica dell'Eroica il 7 aprile 1805 il recensore enuncia l' Eroicaconteneva "idee molto audaci... ed è stato eseguito in modo molto potente", ma ha anche notato la "lunghezza sproporzionata e l'estrema difficoltà di esecuzione". Ha proseguito: “Non mancano passaggi suggestivi e belli in cui sono evidenti la forza e il talento dell'autore; ma d'altra parte l'opera sembra spesso perdersi in una totale confusione. ... La Sinfonia guadagnerebbe immensamente se Beethoven decidesse di accorciarla e introdurre nell'insieme più luce, chiarezza e unità... C'erano pochissime persone a cui piaceva la sinfonia". L'esecuzione dell'Eroica è durata quasi un'ora, mentre la sinfonia di Eberl è durata circa 30 minuti.
(Mattsee, 8 settembre 1781 – Vienna, 8 aprile 1858)
Fu uno dei primi e più importanti compositori che realizzarono opere didattiche dedicate allo strumento a tastiera.
Accolto come fanciullo corista nel convento di Michaelbeuern all'età di sette anni e entrato nella cappella di Salisburgo a nove anni, continuò in seguito i propri studi a Monaco. Studiò teologia nel monastero di Raitenhaslach e parallelamente cominciò a comporre, incoraggiato paternamente da Michael Haydn. Pensò di avviarsi allo stato monastico, ma la secolarizzazione dei conventi in Baviera cambiò i suoi progetti e si recò a Vienna, dove cominciò a insegnare pianoforte e chitarra. Nel 1818 si associò con l'editore di musica Cappi e nel 1824 rilevò l'attività che aveva in precedenza iniziato col suo socio. Oltre alla sua opera compositiva, Diabelli passò alla storia come editore privilegiato delle musiche di Schubert e di Beethoven, il quale utilizzò un suo valzer come tema delle 33 Variazioni per pianoforte op. 120, note anche come Variazioni Diabelli. Ha scritto per quasi tutti i generi e pressoché ogni strumento esistente, per il teatro, per la chiesa, musica da camera e da concerto. Si contano diverse raccolte di danze e valzer per l'orchestra, quartetti, trii, duetti per violino e flauto, sonate per piano con e senza accompagnamento, rondeau, minuetti, valzer, cadenze e studi. Molta attenzione ha dedicato anche alla chitarra, sia da sola che in varie combinazioni cameristiche. Nel programma a lui dedicato ascolteremo oggi sei brani dai Pezzi facili per chitarra e pianoforte e la Grande serenata in fa maggiore per flauto viola e chitarra, op. 95.
La musica sacra di Diabelli è stata in gran parte dimenticata, sebbene il compositore austriaco del periodo Biedermeier riesca a bilanciare i canoni artistici e una forma praticabile di esecuzione nella Messa pastorale in F. L'opera, della durata di circa 30 minuti, è composta da un livello di difficoltà da facile a medio ed è quindi ideale per cori amatoriali con orchestra. Un utile arricchimento del repertorio, non solo nel periodo natalizio.
Diabelli scrisse la Messa pastorale in fa maggiore op.147 all'età di 49 anni in un periodo di 24 giorni (1-25 novembre 1830).
Mostra tutte le caratteristiche di una messa pastorale: bassi sdraiati, ritmi siciliani, sei ottavi ondeggianti, richiami di corno alpino (quarta-sesta), uso solista di fiati, parti di cori maschili, effetti di eco.
Il Gloria squillante con la sua possente fuga finale e il virtuoso violino solista (o flauto) nell'Et incarnatus dimostrano che la “musica assoluta” non si perde in tutto questo lavoro pastorale.
II Kyrie inizia già in 6/8, i legni sono usati come solisti, ad es. nell'assolo di clarinetto nel Benedictus, nonché una melodia accattivante e bassi sdraiati. Dall'altro lato mostra impatti molto solenni come ad es. le fughe virtuoso in Gloria e nell'Agnus Dei, il grande violino solo nelCredo (ad libitum anche come flauto solo) e l'uso di timpani e trombe.
In generale, il carattere di questa messa è più radiosamente festoso che intimo, a cui contribuisce anche la parte orchestrale, che può sicuramente essere definita operistica. Questa impressione è rafforzata dal fatto che la dominante 6/8 alla breve può essere reinterpretata anche come 4 tempi con terzine continue, uno stilemi che si incontra frequentemente nella musica lirica italiana dell'epoca. Tuttavia, mostra anche elementi stilistici tipici della musica viennese della metà del XIX secolo con il suo fascino caratteristico, in particolare nel Credo e nel Benedictus.
Secondo la tradizione Goliard, l'anzianità di un Goliard si misura sulla base della sua anzianità universitaria, che si misura in bolli (francobolli). La tradizione ha origine dall'uso nelle università italiane di apporre un timbro ( bollo ) sul libretto universitario ogni nuovo anno di frequenza alla Facoltà.
Oltre ai bolli effettivamente corrispondenti ai suoi anni di studio, il goliardico può ricevere oltre al Capo-Città ( Capo-Città , capo dell'ordine sovrano della città) bolli honoris causa (cd bolli HC), per meriti straordinario. Il numero dei bolli è anche usato frequentemente in una disputa dialettica in cui i goliardi si trovano su un piano di parità o in una situazione in cui non è possibile dimostrare che qualcuno ha ragione. Chi ha la minor quantità di bolli dovrebbe offrirsi da bere. Questa usanza è all'origine del motto pagat sempre meno bolli : paga sempre chi ha meno bolli.
A chi detiene le cariche goliardiche più importanti viene assegnato un numero simbolico di bolli . Ad esempio, a Capo-Città viene automaticamente concesso un numero di bolli pari a n + 1. Il che significa che in linea di principio ha sempre almeno un bollo in più di qualsiasi altro goliardico nella sua città.
I goliard vengono annunciati in base al loro numero di bolli :
1 bollo : matricola meno (7 volte) quam merdam . A Padova lo status giuridico della Matricola (nuova) dura usque Pasquam secundam , cioè fino alla seconda Pasqua goliardica, quando arriva a vivere goliardicamente (vivere goliardicamente) il suo secondo otto di febbraio.
2 bolli : Flautulentissimus Famelicus Tolleratus sed neccessarius faseolus
3 bolli : Collenda Columna
4 bolli : Nobile Antianus
5 bolli : Divinus Laureandus quando è in tesi diventa Divinissimus Laureandissimus
6 bolli : Sidereus Extracursus
Il goliardico che viene ammesso nell'ordine durante l'ultimo anno di liceo è chiamato bustina (busta piccola). Secondo la tradizione goliardica, il primo bollo viene assegnato dopo almeno un anno di frequentazione della Goliardia. Questo può portare a una discrepanza tra il numero di bolli goliardici e quello universitario. Quando un goliard si laurea al college, il suo numero di bolli viene ridotto a zero. Questa tradizione corrisponde all'uscita definitiva dalla Goliardia entrando nel mondo del lavoro.
L'11 ottobre del 1931, mentre i film sui gangster vengono proiettati con successo sugli schermi e i giornali sono pieni di notizie di cronaca nera, il Chicago Tribune ospita la prima striscia di un nuovo personaggio, il Dick Tracy di Chester Gould. Non soltanto la prima serie poliziesca, ma anche la prima estremamente realistica, quella in cui la violenza si inserisce nel mondo dei fumetti. I tempi erano infatti tali che anche i fumetti avevano bisogno di un poliziotto grintoso e tutto d'un pezzo, capace di rispondere per le rime alla violenza della malavita.
Ripetutamente ferito, colpito con vari oggetti contundenti, accoltellato, picchiato a sangue, quasi accecato con l'acido e chi più ne ha più ne metta, Dick Tracy vive pericolosamente e non si tira mai indietro di fronte al pericolo. È entrato nella
polizia non solo per amore della giustizia, ma anche per una sorta di vendetta personale, dopo che i gangster hanno assassinato il padre della futura moglie, e non sembra disposto a fermarsi di fronte a nulla pur di catturare i criminali.
I lettori apprezzarono sin dall'inizio il realismo e il contenuto drammatico, la violenza e il dinamismo della nuova serie, e Gould, considerato un maestro indiscusso della suspense, ha creato col suo straordinario talendo espressionistico (tanto che qualcuno l'ha definito il Georges Grosz dei fumetti) una serie pressoché infinita di cattivi da opporre di volta in volta al suo poliziotto tutto d'un pezzo.
Tra questi vogliamo ricordare almeno Frank Redrum, che nascondeva il proprio viso dietro a una maschera che ne cambiava completamente le fattezze; Pruneface, dal viso raggrinzito come una prugna secca; il nanerottolo Jerome Trohs e il
terribile e sfortunato Flattop. Quando Gould decise di far morire Flattop, i giornali che pubblicavano le avventure di Dick Tracy ricevettero innumerevoli lettere, telegrammi e biglietti di condoglianze. Molti chiedevano il privilegio di poter onorare il criminale con una degna sepoltura a proprie spese, e a Middletown, nel Connecticut, venne organizzata una veglia funebre con tanto di bara!
Pur essendosi dedicato anima e corpo alla lotta contro la malavita, Dick Tracy (che negli anni Settanta si è fatto crescere per un breve periodo dei baffetti alla Clark Gable), ha avuto anche un'intensa vita privata. Probabilmente perché questa finiva spesso con l'incrociarsi con quella profesionale. Junior, un ragazzo che ha adottato nel 1932, è stato più volte rapito, come la futura moglie, Tess Trueheart, sposata nel 1949, e la figlia Bonnie Braids, nata due anni dopo.
Chester Gould lascia nel 1977 Dick Tracy nelle mani dei suoi assistenti, lo sceneggiatore Max Collins e il disegnatore Dick
Fletcher, che alla sua morte sarà sostituito da Dick Locher. Il ruolo di Dick Tracy è stato sostenuto da Ralph Byrd in quattro film distribuiti nel 1937, nel 1938, nel 1939 e nel 1941 dalla Republic. Nel 1946 la RKO cercò di imporre Morgan Conway nel ruolo del popolare detective, ma gli spettatori richiesero a gran voce Byrd, che l'anno successivo avrebbe interpretato altri
due film che non suscitarono però particolari entusiasmi al botteghino.
Furono prodotti quattro lungometraggi fra il 1945 e il 1947, un serial radiofonico dalla NBC nel 1944 e una serie televisiva (1950-1951); nel 1990 venne realizzato un altro film diretto da Warren Beatty e interpretato da Madonna, Al Pacino e Dustin Hoffman e vincitore di tre premi Oscar.
Nel 1995 fu una delle venti serie a fumetti incluse nella serie commemorativa di francobolli statunitensi Comic Strip Classics. Il personaggio è probabilmente l'unico a essere stato parodiato da un'altra striscia: nel 1948 il fumettista Al Capp ideò il personaggio di Fearless Fosdick, un poliziotto pasticcione e sfortunato caricatura di Dick Tracy, protagonista di avventure poliziesche parodia di quelle del personaggio di Gould.
Nel 1946 Chester Gould introduce nella striscia un particolare gadget: la radio a doppia frequenza, una specie di walkie-talkie da polso indossato da Tracy come un orologio e in dotazione all'intera forza di polizia. Viene usato da Tracy per comunicare con i colleghi, e diviene uno dei trademark della striscia. Da notare che negli anni quaranta una simile tecnologia era qualcosa di molto vicino alla fantascienza e divenne un elemento fantastico molto apprezzato.
L'evoluzione tecnologia dei gadget di Dick Tracy proseguì negli anni sessanta quando fu introdotta la Space Coupe, una navicella spaziale a propulsione elettromagnetica che ampliò il campo d'azione di Dick Tracy facendolo arrivare sulla luna dove viene scoperta una razza di umanoidi. Tutto questo causò una vera e propria escalation nelle storie, che si fecero sempre più fantascientifiche.
(Birmingham, 9 agosto 1875 – Cowes, 26 novembre 1959)
Compositore e pianista inglese, la sua composizione più nota è In un mercato persiano, un tipico esempio di musica a programma, in cui suoni e melodie orientali sono mescolate con la scrittura sinfonica della tradizione europea, per descrivere una scena di mercato mediorientale.
Altri brani sinfonici degni di nota sono In a monastery garden (In un giardino del monastero), In the mystic land of Egypt (Nella mistica terra d'Egitto) e In a Chinese temple garden (Nel giardino di un tempio cinese).
Di origine danese, diviene organista della St. John's Church di Wimbledon. Ben presto, tuttavia, preferisce l'attività avventurosa di una compagnia di commedianti e assume la direzione del Vaudeville Theatre. Fu anche direttore della Columbia Gramophone Co. L'orientamento musicale che punta all'esotismo di maniera nella musica, è una caratteristica del gusto borghese "fin-de-siècle". Oggigiorno Ketèlbey è ricordato soprattutto per la sua serie di pezzi sinfonici classico-leggeri caratterizzati da raffinati colori orchestrali e da un fluido e facile melodizzare di grande effetto. Questo periodo della musica inglese vide nascere così le orchestre leggere come quelle dei tè danzanti, delle stazioni balneari, quelle delle crociere transatlantiche e le piccole formazioni dei film muti. Il mezzo radiofonico rappresentato degnamente dalla BBC britannica contribuisce a diffondere potentemente la musica eseguita da queste orchestre. In Un Mercato Persiano pubblicato nel 1921 come "Intermezzo Scenico", si ritraggono musicalmente le carovane con il calpestio degli zoccoli dei cammelli, la nobiltà del califfo, l'apparizione della bella principessa, i mendicanti che chiedono l'elemosina e l'animosità del mercato mattutino con le tipiche bancarelle. Si tratta quindi di una bella cartolina musicale di segno raffinato, ricca di suggestioni dilettevoli con dei temi facilmente memorizzabili. La produzione musicale di Ketelbey, si spinge quasi ai confini con la musica leggera. Essa è costituita da belle pagine descrittive in cui l'esotismo di maniera, è sorretto da un solido mestiere. Manierismo ed esotismo sono sapientemente combinati per creare un colorismo molto efficace.
E' stato uno scrittore prolifico che ha lavorato anche sotto altri nomi, tra cui Anton Vodorinski. Ha arrangiato i suoi pezzi per varie combinazioni, inclusi ottoni e banda militare, e molti dei pezzi più famosi sono apparsi anche come canzoni per le quali scriveva quasi sempre i suoi testi. Altri trascrittori hanno fornito vari arrangiamenti strumentali. Trovando che la sua musica era molto richiesta nei cinema "silenziosi", scrisse molti brani appositamente per questo campo - come il Bacchanale de Montmartre, destinato a "scene continentali di cabaret, orgia e rivolte".
Ketèlbey è spiritualmente di prima della guerra, anche se visse fino al 26 novembre 1959. I suoi ricordi sono quelli di dirigere orchestre di pantomime in provincia, di spettacoli di Charlot, della sua collaborazione con Gertie Millar al Vaudeville, e di personalità con cui ha lavorato alla Columbia studi. E, naturalmente, la sua stessa musica, scritta con un appello così diretto a un vasto pubblico, che il mondo intero deve ora riscoprire come classici immortali non solo del loro tempo ma di tutti i tempi.
Ketèlbey era molto sicuro delle sue idee musicali. "In un giardino del monastero", il primo pezzo di questa registrazione, scritta nel 1915, porta il titolo "intermezzo caratteristico" e una descrizione: "Il primo tema rappresenta la fantasticheria di un poeta nella tranquillità del giardino del monastero in mezzo a "ambiente bellissimo - l'atmosfera calma e serena - gli alberi frondosi e il canto degli uccelli. Il secondo tema, in minore, esprime la nota più "personale" di tristezza, appello e contrizione. Attualmente, sentiamo i monaci cantare il "Kyrie Eleison " (che dovrebbe essere cantata dall'orchestra) con l'organo e la campana della cappella che suonano. Il primo tema ora si sente più piano, come se fosse diventato più etereo e distante; si sente di nuovo il canto dei monaci - diventa più forte e più insistente, che conclude il brano in un bagliore di esultanza". Da ciò si può concludere che Albert W. Ketelbey era anche un inguaribile romantico.
"In un mercato persiano", scritta nel 1920, è una scena "intermezzo" la cui sinossi è altrettanto descrittiva: l'avvicinarsi dei cammellieri, le grida dei mendicanti, l'ingresso della bella principessa (rappresentata da un languido tema dato prima a il clarinetto e il violoncello, poi all'orchestra al completo). Osserva i giocolieri e gli incantatori di serpenti... Il califfo passa interrompendo lo spettacolo... Tutti escono, i loro temi si sentono in lontananza e la piazza del mercato diventa deserta. Le date delle altre opere di questo disco sono: Au clair de lune" - intermezzo (1919); "Chal Romano" - ouverture descrittivo (1924); "Santuario del cuore" - meditazione religiosa (1924); "In un tempio giardino cinese" - Fantasia orientale (1925); "Campane nel prato" (1927); "L'orologio e le figure di Dresda" (1930); e "Nella terra mistica d'Egitto" (1931).
