Albéric Magnard

(Parigi, 9 giugno 1865 – Baron, 3 settembre 1914)

Diplomato in giurisprudenza, Magnard decide di dedicarsi alla musica dopo aver sentito Tristan und Isolde a Bayreuth nel 1886. Allievo di Dubois, Guiraud e Massenet al Conservatorio, riceve un primo premio di armonia nel 1888, quindi prosegue gli studi con d’Indy. Nel 1896 diventa docente di contrappunto alla Schola cantorum, dove avrà come allievo Déodat de Séverac. Indipendente e intransigente, rifiutando gli appoggi che potrebbe procurargli la posizione del padre (direttore di «Le Figaro») pubblica le sue opere in proprio – anche a costo di ostacolarne la diffusione. Anche una sordità parziale contribuisce al suo isolamento sociale. 

All'inizio della prima guerra mondiale, nel 1914, Magnard mandò la moglie e le due figlie in una località sicura, mentre egli rimase a sorvegliare la sua residenza "de Fontaines" a Baron, dipartimento della Oise. Quando i soldati tedeschi violarono la residenza, egli sparò, uccidendo uno di loro, che risposero al fuoco e diedero la residenza alle fiamme. Il suo corpo non fu identificato nei resti dell'incendio. Questo distrusse le opere di Magnard non ancora pubblicate. 

La vita di Magnard fu contraddistinta da numerosi impegni: dedicò la sua quarta sinfonia a un'organizzazione femminista e si dimise dall'esercito come Dreyfusard, dopo aver scritto il suo inno alla giustizia a sostegno del capitano Dreyfus.

Tra le sue ventuno composizioni, si annoverano: quattro sinfonie; una suite in stile antico; Chant funèbre (1895) dedicato alla memoria del padre; Ouverture, Hymne à la Justice; le opere teatrali Yolande (1892), Guercoeur (1900), Bérénice (1909); musica da camera; una sonata per violino e pianoforte, una sonata per violoncello, un pianoforte trio, un quartetto d'archi, un quintetto per pianoforte e fiati; liriche vocali da camera.

Autore di varie partiture teatrali (Yolande, Bérénice e Guercoeur, il suo capolavoro lirico), dà il meglio di sé nelle quattro sinfonie e nella musica da camera. Rivelatrice è la prefazione di Bérénice: “La mia partitura è scritta in stile wagneriano. Privo del genio necessario per creare una nuova forma lirica, ho scelto tra gli stili esistenti quello che meglio conveniva ai miei gusti assolutamente classici e alla mia cultura musicale assolutamente tradizionale. Ho solo cercato di avvicinarmi quanto più possibile alla musica pura.” All’influsso di Wagner si sommano quello di Beethoven e dell’estetica della Schola. Cultore di un contrappunto denso e di un teso lirismo, Magnard si contrappone a Debussy, del quale rifiuta i sortilegi armonici e orchestrali.

C'è stato un intervallo di più di dieci anni tra questo lavoro e la partitura della Sinfonia n. 3 (1896), un divario ampiamente spiegato dal tempo dedicato dal compositore alle sue opere Guercœur (1897-1901) e Bérénice (1905-1911 ). Magnard compose la sua Sinfonia n. 4 nel 1912-1913. Diresse la sua prima esecuzione, il 2 aprile 1914, alla guida dell'Orchestre de l'Union des Femmes Professeurs et Compositeurs. Sebbene la sua scelta di questa falange di donne mostri chiaramente le sue tendenze progressiste, la performance sembra essere stata insoddisfacente. Fu solo il 16 maggio 1914 che l'opera divenne un vero successo quando eseguita nuovamente dal direttore d'orchestra Rhené-Baton, diversi mesi prima della tragica morte di Magnard. Sebbene la sinfonia abbia un tono relativamente brillante, nonostante la sua tonalità minore (piena di alterazioni, come le Sinfonie 2 e 3), il suo stato d'animo generale non riflette il paesaggio interiore del compositore, che ha ammesso: "L'ottimismo della Quarta Sinfonia è abominevole , perché nessun lavoro mi ha mai dato più difficoltà o è stato scritto in uno stato di depressione più completo”. Quali erano i problemi che aveva dovuto affrontare? Stava cercando di inventare colori cangianti che differissero da quelli usati da Debussy? Cercando di sviluppare un ricco contrappunto che mancasse della densità delle sue opere giovanili? Non c'è dubbio che sia riuscito in questi sforzi. Lo stesso si può dire per l'equilibrio da lui raggiunto tra il vigore quasi abrasivo dei ritmi, gli accenti folkloristici arcaici e il lirismo introspettivo. I quattro movimenti chiudono il pianoforte in uno stato d'animo pacifico che è un risultato straordinario di un compositore con un debole per i corali maestosi e le perorazioni pesanti di ottoni.

Cuore e Batticuore

 

Cuore e batticuore, Stati Uniti, 1979 / Sidney Sheldon

Jonathan Hart (Robert Wagner) è a capo di una multinazionale e sua moglie, Jennifer Hart (Stefanie Power), scrive romanzi rosa. Ma nel tempo libero (ed evidentemente ne hanno in abbondanza, visto che sono sempre alle prese con indagini di tutti i tipi) fanno gli investigatori dilettanti.

Autori e interpreti si rifanno a Nick Charles e a sua moglie Nora, la popolare coppia creata da Dashiell Hammett (forse non tanto alla splendida versione cinematografica interpretata da William Powell e da Mirna Loy, quanto a quella televisiva con Peter Lawford e Phyllis Kirk), tanto che non manca neppure un cane.

Preceduta da un pilot diretto da Don M. Mankiewicz, Hart to Hart, questo il titolo originale della simpatica serie giallo-rosa, trasmessa dal 22 settembre 1979 al 3 luglio 1984, per complessivi 111 episodi da 50 minuti, ha avuto un certo successo.

Non tanto per le storie (anche se i due protagonisti ce la mettevano davvero tutta per rendersi simpatici) quanto per gli ambienti descritti, che in genere appartengono al cosiddetto jet set e quindi offrivano agli spettatori una buona occasione per sognare. Inoltre era una serie molto movimentata e avventurosa che faceva un grande uso di stunt men. Tra gli altri interpreti possiamo ricordare Lionel Stander nei panni di Max, l'autista factotum dei coniugi Hart.

Gwendolyn Avril Coleridge-Taylor

(Londra 8 March 1903 –Seaford 21 December 1998)

È nata a South Norwood, Londra, figlia del compositore Samuel Coleridge-Taylor. Ha scritto la sua prima composizione, Goodbye Butterfly, all'età di dodici anni. Successivamente, vinse una borsa di studio per composizione e pianoforte al Trinity College of Music nel 1915, dove le fu insegnato da Gordon Jacob e Alec Rowley.

Nel 1933 debuttò come direttore d'orchestra alla Royal Albert Hall. Fu poi la prima conduttrice donna di H.M.S. Royal Marines e direttore ospite frequente della BBC Orchestra e della London Symphony Orchestra. È stata la fondatrice e direttrice della Coleridge-Taylor Symphony Orchestra e della sua società musicale di accompagnamento negli anni '40, nonché della Malcolm Sargent Symphony Orchestra. Le sue composizioni includono opere orchestrali su larga scala, oltre a canzoni, tastiere e musica da camera.
Nel 1957 scrisse la Marcia Cerimoniale per celebrare l'indipendenza del Ghana. Altre sue opere apprezzate includono un Concerto per pianoforte in fa minore (Sussex Landscape, The Hills, To April, In Memoriam RAF), Wyndore (Windover) per coro e orchestra e Golden Wedding Ballet Suite per orchestra.

Ha abbandonato il suo nome di battesimo dopo il divorzio, resgtando solo Avril. Ha trascorso la sua ultima vita in Sud Africa, dove ha vissuto sotto l'apartheid. Inizialmente era favorevole alla segregazione razziale, passando per bianca. Tuttavia successivamente non ha potuto lavorare come compositrice o direttore d'orchestra a causa dei suoi antenati neri africani per un quarto.
Ha anche scritto sotto lo pseudonimo di Peter Riley.

Nel 1939 si trasferì a Buxted nell'East Sussex, dove aveva una vista sui South Downs. Coleridge-Taylor morì a Seaford, sulla costa del Sussex, alla fine del 1998. Nel 1998 una targa blu è stata collocata nella casa di cura dove ha trascorso i suoi ultimi giorni, Stone's House, Crouch Lane, Seaford.

10 giugno 2022: Storia di un numero, di Davide Rossi

Un numero non è fine a se stesso: ha un'esistenza, una storia, un inizio e una fine. Un numero può essere umano, vivere e morire.

In una contemporaneità corrosa dalla malavita e dall'opportunismo, Kenny nasce in un piccolo stato africano, flagellato dalla povertà, messo in ginocchio dalla corruzione, dimenticato e disprezzato dagli stessi esseri viventi. Condizioni disperate per chiunque abbia un minimo di misericordia per se stesso, difficilmente sopportabile per la sua natura estrema che si impone nella quotidianità sugli esseri viventi.

La sua infanzia la trascorre a osservare il mondo che gli ruota intorno, che ansima, grida, muore, violento e insensato. Lui scruta, annota, studia e prova a conformarsi, ad adeguarsi alla realtà, che cruda e violenta si manifesta, investendolo senza freni: la sparizione del padre, il trasloco in un'altra zona, la morte della adorata zia, la presunta anormalità. A confortarlo e a salvarlo dalla solitudine c'è lo studio, i pensieri, vivaci e senza limiti, la curiosità verso l'ignoto e la natura.

Camaleonte decide di adattarsi, di vivere secondo i canoni imposti senza rischiare, coltivando un'irrazionale voglia di responsabilità. Ciò non lo salva dai suoi simili, spietati e potenti, che lo costringono a scappare via dalla sua terra, verso un ignoto chiamato Europa.

Un viaggio lungo e pericoloso, attraverso posti incantevoli abitati da personaggi senza scrupoli, poveri diavoli, disperati, dalla sopravvivenza e dalla morte.

Storie di tanti numeri uniti nella speranza di una resurrezione e dall'infame destino di rappresentare solo delle anonime cifre. Un percorso lungo, attraverso deserto e mare, prigionia e amore, fra carcasse umane e di civiltà.

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Davide Rossi è nato il 18/01/1985 ed è cresciuto in un piccolo paese della provincia di Pavia, Sant’Angelo Lomellina.

Nonostante gli studi di natura prettamente scientifica, continua a coltivare due grandi passioni che lo accompagnano fin dalla tenera età: il cinema e la scrittura. La stesura di varie sceneggiature rappresenta dunque un’evoluzione naturale e una di queste, scritta a sei mani, porta alla realizzazione del film “Benvenuti a casa Verdi” del 2013 (Muccapazza film).

Parallelamente all’esperienza cinematografica inizia una fase di sperimentazione che l’ha portato a partecipare a diversi concorsi letterari con racconti brevi, poesie e saggi.

"E alla fine c'è la vita" nasce in seguito, e dall’unione, di tutti questi percorsi. Pubblicato con Apollo Editore nel maggio del 2018, il romanzo riscuote un discreto successo presso critica e pubblico, consentendo all’autore di presentarsi a un vasto pubblico di lettori attraverso un tour di presentazioni che ha superato le dieci date.  Parallelamente a questo progetto, e a esso collegato, l’autore ha redatto un manuale di scrittura creativa, “E alla fine c’è la scrittura”, che ha avuto il suo culmine con il corso presso l’associazione “Il cielo capovolto” di Torino.

Sergente Cuff

 

Sergente Cuff, Gran Bretagna, 1868 / Wilkie Collins

Comunemente considerato il primo vero romanzo poliziesco che sia mai stato scritto, The moonstone (noto in Italia con due titoli diversi: La pietra di luna e Il diamante indiano) è stato pubblicato nel 1868 a puntate su All the year round, un periodico londinese diretto da Charles Dickens, buon amico dell'autore.

Pur essendo stato definito dal grande poeta inglese T.S. Eliot "il primo, il più lungo e il migliore tra i romanzi polizieschi", il lavoro di Wilkie Collins è in realtà scritto con un ritmo lentissimo rispetto a quello a cui siamo ormai da tempo abituati e il motivo del diamante maledetto mantiene un certo fascino solo grazie alle qualità letterarie dello scrittore. Protagonista del romanzo è l'anziano e magrissimo sergente Cuff. Sempre vestito di nero ("avrebbe potuto essere un prete  o un impresario di pompe funebri") questo personaggio non fa davvero nulla per rendersi simpatico ai suoi interlocutori. Questo non significa che i lettori lo trovino simpatico grazie alla sua capacità di autocritica - una dote certo non molto comune tra i grandi eroi del giallo - e alla propria determinazione, che lo porta a non trascurare nessun particolare per quanto minimo e insignificante possa essere.

Il romanzo di Wilkie Collins ha avuto una riduzione teatrale a Londra nel 1877, due versioni cinematografiche - nel 1915 (dove curiosamente non compare il sergente Cuff!) e nel 1934

E due adattamenti televisivi, uno realizzato dalla BBC inglese e uno da Anton Giulio Majano per la Rai nel 1972 con Mario Feliciani nel ruolo del sergente Cuff. 

Fra le edizioni italiane è consigliabile quella uscita negli Oscar Mondadori perché contiene anche un'ampia introduzione di T.S. Eliot.

Alan Hovhaness

(Somerville 8 marzo 1911 – Seattle 21 giugno 2000)

Nato come Alan Vaness Chakmakjian, è stato un compositore americano che è rimasto relativamente sconosciuto in Europa. Ha scritto molte composizioni; di tutti i tipi, come 67 sinfonie, 9 composizioni liriche, 2 balletti e più di 100 opere per ensemble da camera.

È nato come Alan Vaness Chakmakjian a Somerville, Massachusetts, da Haroutioun Hovaness Chakmakjian (un professore di chimica armeno al Tufts College che era nato ad Adana, Turchia) e Madeleine Scott (un'americana di discendenza scozzese, che si era laureata al Wellesley College). Quando aveva cinque anni, la sua famiglia si trasferì da Somerville ad Arlington, nel Massachusetts. Un vicino della famiglia Hovhaness ha detto che sua madre aveva insistito per trasferirsi da Somerville a causa della discriminazione contro gli armeni molto forte lì. Dopo la sua morte (il 3 ottobre 1930), iniziò a usare il cognome "Hovaness" in onore del nonno paterno e lo cambiò in "Hovhaness" intorno al 1944. Dichiarò il cambiamento del nome da l'originale Chakmakjian rifletteva il desiderio di semplificare il suo nome perché "nessuno lo pronunciava mai bene". Tuttavia, la figlia di Hovhaness, Jean Nandi, ha scritto nel suo libro Unconventional Wisdom: "Il nome di mio padre al momento della mia nascita era 'Hovaness', pronunciato con l'accento sulla prima sillaba. Il suo nome originale era 'Chakmakjian', ma negli anni '30 volle liberarsi del legame armeno e così cambiò il suo nome in una versione americanizzata del suo secondo nome. Alcuni anni dopo, decidendo di ristabilire i suoi legami armeni, cambiò l'ortografia in "Hovhaness", accento sulla seconda sillaba; questo fu il nome con cui in seguito divenne piuttosto famoso." 

Ha composto fin dalla tenera età, si dice dai quattro anni. Poiché i suoi genitori disapprovavano la composizione, spesso lo faceva di nascosto, di notte o in bagno. Nascondeva il suo lavoro sotto la vasca da bagno.

Ha frequentato il New England Conservatory negli anni '30, pianoforte con Adelaide Proctor e Heinrich Gebhard, composizione con Frederick Converse. Una volta ha detto di aver studiato musica due volte: una per sintonizzare i suoi insegnanti e una per compiacersi. Non è riuscito a far fronte alle nuove correnti apparse nel XX secolo e quindi le ha ignorate. Nel 1942 Hovhaness ottenne una borsa di studio per studiare al famoso Tanglewood. Il suo lavoro fu così criticato che presto lasciò l'istituto. Poco dopo entra in contatto con il pittore (lo chiamava maestro spirituale) Hermon di Giovanno (di origini greche), che gli consiglia di tornare alle sue origini, in questo caso all'Armenia. Un'altra fonte di ispirazione è Masataro Togi, un giocatore giapponese di gagaku. Il suo interesse per la musica, la filosofia e la religione orientale lo rendevano insoddisfatto del suo lavoro giovanile; nella seconda parte della vita ha distrutto gran parte dei suoi primi lavori, circa 1000 composizioni. Più tardi continuò a comporre principalmente di notte e andava a dormire solo quando il sole sorgeva da dietro le montagne. 

Negli anni Cinquanta ha viaggiato molto. Ha visitato l'India, il Giappone e la Corea, dove la sua musica è stata ben accolta, ma dove ha anche scoperto nuovi elementi di stile.

Si sposato sei volte. Con la sua prima moglie, Martha Mott Davis, ha avuto una figlia e l'unico figlio Jean Nandi. La sua ultima moglie si prese amorevolmente cura di lui fino alla sua morte: Hinako Fujihara, musa e per professione soprano, aveva circa 25 anni meno di Alan.

Il lavoro di Hovhaness ha avuto molte influenze asiatiche, non perché è figlio di un armeno, ma per i suoi viaggi in India, Giappone, Hawaii e Corea del Sud. Il compositore è molto interessato alla religione e al misticismo. Era un buddista e lo dimostrava anche nel suo lavoro, attraverso linee melodiche misteriose, ma tranquille. Anche influenzato dalla musica medievale e rinascimentale, Hovhaness a volte adatta la teoria della forma Bach in una particolare polifonia.

Egli stesso affermava che il suo lavoro era principalmente ispirato alla natura, in particolare alle montagne. Non era un pioniere innovativo come i suoi contemporanei Stravinsky e Schönberg, ma la sua musica era di natura melodica e cadenzata ed è stata apprezzata da molti durante la sua vita. Il lavoro di Hovhaness è relativamente semplice da eseguire.

Olivier Messiaen asseriva che Hovhaness avesse cercato di unire nella sua musica molto personale il mistico con il mondano, l'oriente con l'occidente, l'antico con il moderno.

La Sinfonia n. 22 di Hovhaness è stata composta nel 1970 su commissione della Birmingham Symphony Orchestra per celebrare il centenario della città. Il sottotitolo "City of Light" si riferisce a una città astratta e idealizzata: "Stavo pensando a un milione di luci, una città immaginaria", ha detto Hovhaness.

Il primo movimento è molto libero nella forma. Si apre con un'ampia introduzione, gli archi suggeriscono gli schizzi di un tema sotto forma di un inno. I tromboni espongono pienamente detto tema pieno di magnificenza. Rappresenta la città del titolo, piena di luce e di spiritualità. Gli archi aprono una sezione più drammatica e appassionata come una forma di sviluppo semplice, utilizzando forme contrappuntistiche. La tromba riassume solennemente l'inno, portando a una brillante coda.

Il secondo movimento è ispirato da un ricordo d'infanzia che Hovhaness aveva a Natale, strutturato attorno a due temi alternati. I tremoli degli archi portano a un assolo del trombone, presentando un tema ampiamente lirico, pieno di un sentimento nostalgico. Nella sezione centrale, gli archi presentano una morbida melodia natalizia. Il trombone riassume il tema principale sui morbidi tocchi delle percussioni, seguito dal tema natalizio, dopodiché il movimento si conclude con calma.

Il terzo movimento è monotematico. Si apre con una breve introduzione orientale, dopo la quale gli archi presentano un tema delicatamente ritmico con un'aria folcloristica irlandese, che ha radici nel passato di Hovhaness, questa volta dai suoi anni di liceo quando aveva composto un'operetta intitolata "Lotus Blossom". Dopo una ricapitolazione completa, una nota di pedale conduce la musica a una coda in dissolvenza.

Il quarto movimento, come il primo, è molto libero. Si apre con un solenne e potente inno sulle corde, esaltato dagli ottoni. La musica sale verso un climax brillante e appassionato. Il compositore sviluppa la musica utilizzando più voci, applicando le sue tecniche contrappuntistiche ispirate a J. S. Bach. Secondo l'autore si tratta di una musica senza tempo, evocativa di luce e spazio, di natura e spiritualità. Dopo un climax intenso, inizia una fuga dalle corde del basso, che si alzano lentamente. Un improvviso turbinio di suoni ci porta a una coda brillante e maestosa.

CSS 42: Roberto Roganti, Quiz mortali in Abbazia

Questo racconto segna l’inizio di un nuovo ciclo. E’ la prima avventura senza i cinqueperunosei e non ci sono più gli articoli di GattaCiCovaModena, la testata giornalistica ha chiuso i battenti e gli amici si sono allontanati. Alcuni personaggi persistono, altri vengono sostituiti, altri fanno la loro prima comparsa. E’ anche la prima volta che Grogghino perde la testa per una ragazza. Quante cose che succedono tra un morto e l’altro… Già i miei scritti sono di un giallo sbiadito, ora li faccio virare verso il rosa… buon divertimento.

Roberto Roganti

Prologo

Prima di entrare nel vivo di questa nuova avventura è doveroso spiegarvi alcune cose, già, perché non lo sapete, ma dopo gli ultimi fatti ci sono stati molti cambiamenti qui a Modena. Andiamo con ordine.

I 5x1_6 come sappiamo si sono sciolti, dopo aver rischiato la vita, di comune accordo e anche per non loro volontà, o hanno smesso o hanno accettato l’allontanamento dal teatro della loro disavventura. 

Grogghino dal canto suo ha continuato a lavorare per l’agenzia di pompe funebri Della Cassa come tanatoestetista, ma non più a tempo pieno, in quanto è diventato consulente esterno per la medicina legale della polizia. In compenso ha ereditato una bella villa liberty in Viale Moreali, dove è andato a vivere. Nell’aria comunque un’idea, aprire al piano terra un suo laboratorio di tanatoestetica. 

In polizia ci sono stati avvicendamenti. 

Il questore dott. Pisquano è stato colpito da emorragia cerebrale e sostituito dal dott. Andrea Vaccari, proveniente dal Nucleo Tutela Patrimonio Artistico dell’Arma, ma spostato in Polizia per la conoscenza capillare del territorio e del patrimonio artistico modenese. 

Il posto vacante di commissario è stato occupato per un breve periodo dalla vice Manuela Fontenova, la quale però è stata richiamata a Roma, dopo la morte del boss della mafia che l’aveva messa nel mirino. Le è stato dato un importante incarico presso la Direzione Investigativa Antimafia (DIA) della capitale e in questa avventura l’ha seguita l’ispettore Vienna Rao.

Alla questura di Modena Massimo Ghigi, ispettore prima all’antidroga e poi all’investigativa, è stato promosso vice commissario e si è insediato al posto della Fontenova; l’ispettore Marco Vezzani, proveniente dal compartimento di Polizia Postale e delle Telecomunicazioni, e già aggregato alla squadra, è andato a occupare il posto lasciato vacante da Ghigi; temporaneamente si è aggiunto l’ispettore Dario Brunetti, proveniente dalla DIA di Bari, in quanto si sospettano infiltrazioni pericolose nella città geminiana, in sostituzione della Rao.

Infine, per puro caso, Roganti (Grogghino) e Vezzani (Vezz) sono pure speaker della stessa emittente radiofonica sul web, RadioPerfidaNonantola.

Continental Op

Continental Op, Stati Uniti, 1923 / Dashiell Hammett

Senza nome né cognome e conosciuto soltanto come Continental Op, l'agente della Continental Detective Agency di San Francisco racconta in prima persona le proprie avventure a partire dal racconto House Dick, pubblicato su Black Mask nel 1923.

Nonostante sia un po' in là con gli anni e un po' sovrappeso (tanto che resta spesso senza fiato quando si tratta di correre dietro a un delinquente), questo personaggio è un vero duro. Anche se non gli piace la violenza e, costi quel che costi, cerca di non ricorrervi mai per primo.

Comunque, il suo mestiere gli piace e ci si impegna sempre sino in fondo. Anche quando, ripulendo una cittadina corrotta dell'Ovest, in Piombo e sangue (Red Harvest, 1927) sa bene che alla fine il suo datore di lavoro gliela farà pagare cara.

Compare in 28 racconti e 2 romanzi. L'autore lo descrive come un cinquantenne sovrappeso e di bassa statura, dall'atteggiamento cinico ed indifferente ma estremamente efficace nel risolvere ogni genere di caso. 

Nel 1978, "La maledizione di Dain" è stato trasformato in una miniserie televisiva della CBS di sei ore con James Coburn. Per la miniserie, l'Op è stato chiamato Hamilton Nash (il nome del suo creatore scritto "lateralmente"). Christopher Lloyd ha interpretato la Continental Op in un episodio della serie antologica "Fallen Angels" ("Fly Paper"). Come intendeva Hammett, il suo nome non viene mai menzionato, quindi è strano, solo strano, che questa Op esista anche in Earth Prime-Time, lavorando per la stessa agenzia di Hamilton Nash. (Ma per un ramo diverso, dato che "Old Man" dell'Op è diverso da quello di Hamilton Nash.)

Continental Op è anche il titolo della terza traccia dell'album Defender pubblicato nel 1987 da Rory Gallagher. La canzone è ovviamente dedicata a Dashiell Hammett. Nel 2003 il brano è stato reinterpretato dal gruppo italiano Via del blues nell'album Trouble Trouble.

Niccolò Zingarelli

o Niccolò o Niccola 

(Napoli, 4 aprile 1752 – Torre del Greco, 5 maggio 1837)

Compositore molto apprezzato dai suoi contemporanei, Nicola (Niccolò) Antonio Zingarelli chiude con grande merito la generosa stagione del ’700 napoletano; autore prolifico, oltre a 38 opere per il teatro e musica strumentale, lascia una cospicua produzione di musica sacra, in buona parte inedita.

Nato a Napoli, Nicola Antonio Zingarelli all’età di sette anni viene ammesso al Conservatorio Santa Maria di Loreto; studia sotto la guida di Alessandro Speranza e Fedele Fenaroli, ha per compagno Domenico Cimarosa. Nel luglio del 1772 ottiene l’incarico di organista presso il Duomo di Torre Annunziata.

Giovanissimo, inizia a dedicarsi alla composizione; ricordiamo l’intermezzo “I quattro pazzi” del 1768.

La sua prima opera, “Montezuma”, presentata il 13 agosto 1781 al Teatro San Carlo di Napoli, riscuote un buon successo di pubblico; seguono altre opere: Alsinda, Ricimero, Armida, Ifigenia in Aulide, Artaserse, che lo pongono all’attenzione dei principali teatri italiani. Nel 1790, all’Académie Royale de Musique di Parigi, si rappresenta Antigone, opera seria su libretto di Jean-François Marmontel.

Nel 1793 Nicola Zingarelli assume l’incarico di maestro di cappella presso il Duomo di Milano, poi l’anno seguente passa al Santuario della Santa Casa di Loreto; la sua produzione operistica inizia a scemare, si dedica principalmente alla composizione di musica sacra. Dal 1804 dirige il Coro della Cappella Sistina.

Nel 1813 Zingarelli viene nominato direttore del Real Collegio di Musica di Napoli (poi Conservatorio di San Pietro a Majella); tra i suoi allievi si ricordano Bellini, Mercadante, Petrella e Piero Maroncelli, il patriota imprigionato con Silvio Pellico nella fortezza dello Spielberg. Nel 1816 succede a Paisiello nella carica di maestro del coro del Duomo di Napoli, incarico che tiene per il resto della sua vita.

Nicola Zingarelli attraversa il periodo di transizione nel quale l’opera seria di stampo metastasiano e di tema mitologico lascia il campo al melodramma ottocentesco, ma rimane sostanzialmente legato alla tradizione settecentesca; i suoi lavori, caratterizzati da cantabilità e da un linguaggio melodico semplice e chiaro, lo indicano come l’ultimo esponente della grande scuola napoletana. La sua opera più riuscita è sicuramente “Giulietta e Romeo”, rappresentata per la prima volta a Milano nel 1796 e con numerose repliche anche in Europa fino al 1830.

La sinfonia in tre movimenti (allegro-adagio-allegro) era ben radicata a Milano ma ha avuto meno successo a Napoli, suggerendo che il compositore utilizzò queste sinfonie per stabilirsi a Milano, capitale dell'arciducato, e datarle entro e non oltre i primi mesi della sua permanenza in quella città (1784-85). 

“Le Sinfonie milanesi sono le uniche sinfonie che Zingarelli scrisse in tre movimenti e in uno stile molto “mitteleuropeo”. La sinfonia in tre movimenti (allegro-adagio-allegro) era ben consolidata a Milano ma ebbe meno successo a Napoli, suggerendo che il compositore utilizzò queste sinfonie per stabilirsi a Milano, capitale dell'arciducato, e datarle non oltre i primi mesi della sua permanenza in quella città (1784-85). Quando Zingarelli arrivò a Milano nel 1784 volle solo dimostrare il suo talento; non era un bambino prodigio invecchiato che richiedeva una breve scossa acuta per rimettersi in sesto. A Milano la musica era meglio organizzata che altrove. La città ha sempre avuto orchestre - non solo la Scala ma anche quelle di lui le chiese principali della città (in particolare la Cattedrale) e quelle più piccole di importanti famiglie, accademie, confraternite e collegi - e spesso si formavano orchestre temporanee che si riunivano in occasioni dispari per un evento o l'altro. Rivaleggiava con Parigi, Londra e Vienna per il suo cosmopolitismo e la sua miscela culturale, vantando un teatro dell'opera che, nonostante la sua recente costruzione, era già il più prestigioso al mondo. Il sogno di ogni compositore era quello di scrivere opere ma, nell'attesa dell'opportunità di farlo, comporre sinfonie per i divertimenti cittadini di Milano era la cosa più ovvia da fare.