SNMN, puntata 29, 24 dicembre

My Evil Twin - No Future

Big Boss Man - Crash 11

Naspi - Frasi Che Cadono

Iaco - Hangar

Dish Breakers - Shut Up!

The Lizards - Strange Dream

Veronica Howle - Piccolissimissima Tu

Ears - Desert Rose

Simone Pittarello - 'MAREEA

Samrose Feat. Umr - The Rainbow Girl

Eternal Silence - Astral

Roman Krays - Lunedì

Roberta Tondelli - Ammore Scumbinato

ASYAB - Nove

 

Adolphe Biarent

(Frasnes-lez-Gosselies, 16 October 1871 – Mont-sur-Marchienne, 4 February 1916)

Adolphe Biarent era un compositore, direttore d'orchestra, violoncellista e insegnante di musica belga.

Il compositore belga Adolphe Biarent, di breve vita, nacque a Fresnes-les-Gosselies, nei pressi del centro industriale e minerario di Charleroi, che considerava la sua città natale. Biarent entrò al Conservatorio di Bruxelles intorno al 1890 e vi studiò per oltre un decennio, passando attraverso numerosi professori. Dopo aver vinto il Prix de Rome belga nel 1901 con la sua cantata Edipo a Colonno, Biarent viaggiò in Italia, Germania e Austria prima di decidere di stabilirsi come direttore d'orchestra e insegnante a Charleroi, e in seguito lasciò raramente la città. Biarent costruì un'orchestra di prim'ordine a Charleroi ed era considerato in tutta Europa un eccellente insegnante di armonia; il compositore e direttore d'orchestra belga Fernand Quinet fu tra i suoi studenti. La morte prematura di Biarent, all'età di 44 anni, fu una perdita considerevole per la sua comunità; il fatto che si verificasse durante gli orrori della Prima Guerra Mondiale contribuì a garantire l'oscurità della sua carriera di compositore.

Adolphe Biarent ha lasciato circa 20 opere, di cui metà orchestrali, tra cui la sua imponente Sinfonia in Re minore (1908; riv. 1911-12) che, come la sinfonia di Franck nella stessa tonalità, è ciclica nella forma, ma diversa per quasi tutto il resto. Biarent era relativamente raro tra i musicisti belgi del suo tempo in quanto non fu influenzato in modo preponderante dall'esempio di Franck e la sua musica non mostra alcun contatto proficuo con l'impressionismo fino alla fine della sua carriera. Biarent fu influenzato da Wagner, d'Indy e dal "Maniero di Potenti" russo; fuse queste influenze in uno stile unico e ben riflettente della regione in cui visse. Violoncellista, Biarent compose una splendida Sonata per violoncello e pianoforte (1915) e Due Sonetti per violoncello e orchestra (1913); anche il suo Poème heroïque orchestrale (1911) è stato ampiamente elogiato, insieme al suo Quartetto per pianoforte in Si minore. Alcuni critici hanno citato Biarent come una delle figure potenzialmente più importanti del periodo post-romantico, sebbene la sua figura rimanga poco nota; tuttavia, le riprese della sua opera per pianoforte e orchestra Rapsodie Wallonne e della saporita suite orchestrale Contes d'Orient hanno fatto sì che la reputazione di Biarent godesse di un certo favore nel suo paese d'origine.

Sebbene ancora poco conosciuto, Biarent compose musica che combina con successo "la solidità strutturale" di César Franck e Vincent d'Indy con "qualcosa del brillante e chiaro orchestrale" di Emmanuel Chabrier.

La sinfonia è molto ben bilanciata ed economica in un modo simile alla quinta sinfonia di Parry. Il primo movimento è scuro e minaccioso, e il tema corale è ascoltato in minore. I due movimenti centrali sono molto brevi, e il terzo movimento è orchestrato in modo particolarmente colorato. Il finale è quasi lungo la metà dell'intera sinfonia e inizia con un tema minaccioso simile a Notte sul Monte Calvo. Durante il corso del movimento, i cieli si schiariscono gradualmente. Dopo diversi episodi con il tema corale, veniamo finalmente portati in re maggiore e, ma non prima di aver ascoltato alcuni abbellimenti straussiani, siamo premiati con una conclusione molto grandiosa e bella.

Progressive Spin, puntata 28, 18 dicembre 2025

Millenium - The Lost Melody

Roswell Six - The Promised Land

Retreat from Moscow - The Illusion Of Choice

Unkh - In Black Water

E.D.O. - Wannsee

Rocking Horse Music Club - The Haunted Life

SNMN, puntata 28, 17 dicembre 2025

Bianca & Laci Dj - All I Need This Christmas

Utopia - Nulla x sempre

Maysa Bucci - Cose solo nostre

Max De Lorenzis, Manu Senent - Ci sarò

Stefano Attuario - Babele

Udi - Tabu

NRG1 - Red Lights

The Windfall - A Land For Animals

Wandering Tale - Dwarfest

Dusty Eyes - Echochamber

Roccuzzo - Avrò cura di te

Ada - Sottovuoto

Galil3o - Diamoci del tu

Jude Menegardi - Film di Fantascienza

 

Rudolf Tobias

 

(Selja, 29 maggio 1873 – Berlino, 29 ottobre 1918)

Organista e compositore, considerato il padre della musica classica estone, porta le melodie popolari anche nella musica strumentale, a differenza dei primi compositori estoni Johannes Kappel, Miina Härma e Konstatin Türnpu che si sono limitati a comporre brani essenzialmente corali. Rudolf Tobias si pone due obiettivi fondamentali: la riforma della musica sacra estone e la trasposizione in musica di “Kalevipoeg”, il poema epico nazionale. Questo secondo intento è raggiunto in parte:  a causa della sua improvvisa dipartita, dell’intera opera riesce a terminare “Il sogno di Kalevipoeg”, la ballata “Aria della Bella Fanciulla” e “Kalevipoeg alle porte dell’inferno”.

Nato sull’isola di Hiiumaa, a Selja nel municipio di Käina Parish, Rudolf Tobias riceve una prima educazione musicale dal padre, un addetto alla costruzione e alla manutenzione di organi e pianoforti. Nel 1882, all’età di nove anni, scrive i suoi primi esercizi di composizione; studia pianoforte presso una scuola di Hapsal e poi teoria musicale e organo a Tallinn con Ernst Reinicke. Dal 1893 frequenta il Conservatorio di San Pietroburgo; tra i suoi maestri figurano Louis Homilius per l’organo e Nicolaj Rimskij-Korsakov per la composizione. Il suo ciclo di studi si conclude nel 1897 con la presentazione della cantata “Johannes Damascenus” che suscita grande interesse. Dopo la laurea Tobias assume l’incarico di organista e direttore di coro presso la Chiesa estone di San Giovanni a San Pietroburgo; vi rimane fino al 1904 quando si trasferisce a Tartu, in Estonia. Qui insegna musica, organizza concerti e si esibisce come organista e come direttore d’orchestra, eseguendo soprattutto oratori di Händel e Mendelssohn.

Durante il 1908 soggiorna a Parigi, Monaco di Baviera, Dresda, Praga; si trasferisce a Lipsia e dal 1910 risiede definitivamente a Berlino dove ottiene una cattedra presso la Königliche Hoshschule für Musik. Rudolf Tobias, che acquisisce la cittadinanza tedesca nel 1914, muore improvvisamente e viene sepolto a  Wilmersdorf, il cimitero di Berlino; dal 1992 le sue ceneri sono custodite a Kullamaa, in Estonia.

Lontana dalle forme romantiche, la musica di Rudolf Tobias si esprime con vigore e dinamismo in strutture intense e polifoniche sui modelli di Bach, Händel, Beethoven, Schubert e Liszt. Tobias è autore del primo lavoro sinfonico estone, l’ouverture “Giulio Cesare”, della prima cantata, “Johannes Damaskusest”, del primo concerto per pianoforte, del primo quartetto d’archi, del primo oratorio, “La missione di Giona”, e della prima opera di musica a programma, “Walpurgis-Burleske”.

Gli rendono onore in patria monumenti, strade, targhe, nonché la sua effigie riprodotta sul lato anteriore della banconota da 50 Corone.

Oratoorium "Joonas"

Tobias compose il primo oratorio estone, "Joonas", nel 1907. Fu eseguito a Lipsia due anni dopo, ma a causa della scarsa accoglienza, fu trascurato per quasi 80 anni, finché il pianista e politico Vardo Rumessen non lo riprese durante la rinascita nazionale dell'Estonia tra il 1986 e il 1989.

Il libretto, scritto dalla figlia di Tobias, Silvia, e ritrovato per caso tra la sua corrispondenza in una vecchia valigia lasciata nell'appartamento di Tobias, è stato fondamentale per determinare l'intenzione originale del compositore e il testo. Tra le altre significative differenze, il testo originale è scritto in estone.

Kirke Org-Jaanus stava ripulendo l'appartamento dei suoi defunti nonni e zia in Gonsiori tänav a Tallinn sei anni fa, quando trovò una semplice valigia marrone tra gli oggetti da buttare. Esaminandone il contenuto, si scoprì che apparteneva a Silvia, la figlia di Rudolf Tobias, che aveva vissuto nello stesso appartamento per un lungo periodo.

Org-Jaanus scoprì una lettera tra Silvia Tobias e sua zia Helge. Tra la corrispondenza e gli appunti nella valigia, un libretto intitolato "Joonas" ("Giona"), che si riferiva all'oratorio di Rudolf Tobias, attirò l'attenzione. La famiglia Org-Jaanus intuì che si trattasse di qualcosa di significativo.

"Ho letto la partitura e alcuni titoli mi erano familiari, ma mi sono subito sentito fuori dalla mia portata", ha detto Org-Jaanus, rivolgendosi al direttore d'orchestra Tõnu Kaljuste.

Tobias scrisse il primo oratorio estone, "Giona", nel 1907, che fu eseguito due anni dopo a Lipsia, ma non fu accolto con favore e fu dimenticato per 80 anni, finché il pianista e politico Vardo Rumessen non lo riprese. L'oratorio fu eseguito di nuovo nel 1989 in una versione da lui adattata e intitolata "Des Jona Sendung" ("La missione di Giona").

Così, mentre all'inizio del secolo scorso era stata proposta una versione di Tobias e alla fine del secolo scorso una versione adattata da Rumessen, nel 2019 è stata scoperta una terza versione della valigia dimenticata.

Secondo Kaljuste, Vardo Rumessen modificò la versione di Tobias per ottenere un brano musicale travolgente e potente.

Anastasiya Alohina

Dice di lei Anastasiya:

Sono un artista che dipinge con i colori ad olio.

Il mio stile di disegno si basa sulla pittura classica.

Nei miei lavori a volte disegno con la tecnica "Alla-prima".

In alcuni punti, scrivo in strati-sottodisegni passo dopo passo, il risultato è un colore a più strati e sembrano risplendere l'uno attraverso l'altro.

Mi piacciono i paesaggi marini di Aivazovsky, così come i paesaggi di Bierstadt. Quest'ultimo colpisce per la scala della natura nei dipinti.

Ci sono molti artisti che mi piacciono, ma questi due sono diventati i miei maestri. Ho ridisegnato alcune delle loro opere, è stato difficile lavorare con loro. Mi ha dato molta esperienza.

Quando le persone chiedono perché sono diventata un'artista, rispondo con la seguente domanda: cosa avrei dovuto diventare?

Questo è ciò che vive in me. Per me questo è un altro mondo, in cui mi immergo completamente quando lavoro.

 

Restare soli per imparare a tornare: il miracolo imperfetto di Mamma, ho perso l’aereo

 

Mamma, ho perso l’aereo è uno di quei film che vengono traditi dal successo. Tutti lo ricordano per le risate, per le trappole, per le urla e le cadute. Quasi nessuno ha voglia di guardare davvero cosa racconta. Eppure è un film feroce, malinconico, persino crudele, mascherato da commedia natalizia.
Kevin McCallister non è il bambino adorabile che la memoria collettiva ha addolcito. È un bambino solo. Invisibile. Costantemente zittito, ignorato, spinto ai margini da una famiglia rumorosa che non ascolta nessuno, figuriamoci lui. La sua “sparizione” non è solo un errore logistico: è la conseguenza emotiva di un’esclusione continua. Kevin viene dimenticato prima ancora di essere dimenticato davvero.
Quando la casa si svuota, il film cambia pelle. Non diventa una favola, diventa una prova di resistenza. La casa enorme, illuminata ma fredda, diventa un labirinto emotivo. Kevin non festeggia la libertà: la riempie di rumore perché il silenzio fa paura. Guarda film violenti perché ha bisogno di sentirsi forte. Finge di essere adulto perché nessuno si prende cura del bambino che è.

Le trappole, così idolatrate, sono in realtà un atto disperato di controllo. Kevin non gioca: combatte. Trasforma l’intelligenza in difesa, l’immaginazione in arma. I ladri sono caricature, sì, ma rappresentano l’irruzione del mondo esterno in uno spazio che Kevin sta cercando di difendere come unica casa possibile: la sua.
Ed è qui che il film colpisce più a fondo, nei momenti che non fanno ridere. L’incontro con il vicino “spaventoso” è lo specchio perfetto di Kevin: due solitudini giudicate dall’esterno, due esseri umani ridotti a etichette. In quella panchina, in quella chiesa, Mamma, ho perso l’aereo parla finalmente chiaro: la paura nasce quando nessuno ci guarda davvero.

La madre, parallelamente, non è un’eroina. È una donna che sbaglia. Che corre, che si dispera, che capisce troppo tardi. Ma il film non la punisce: le concede il ritorno. E quel ritorno non è trionfale, è necessario. Perché il film non dice che si sta meglio da soli. Dice che si sopravvive, ma non si vive.
La musica di John Williams non accompagna il Natale: accompagna la nostalgia. È una colonna sonora che sa di ricordo, di infanzia, di qualcosa che non torna più uguale. Ed è per questo che il finale commuove ancora: non per il lieto fine, ma per la consapevolezza che crescere significa anche perdonare.

Mamma, ho perso l’aereo è un cult perché non promette felicità eterna. Promette una cosa più rara: il ritorno. Tornare a casa, tornare a essere visti, tornare a non sentirsi sbagliati. E ogni volta che lo riguardiamo, in fondo, stiamo cercando la stessa cosa.

Philip St. John: Razzi verso il nulla, n.67

  

Il mistero avvolge il campo sperimentale di White Sands, Nuovo Messico, divenuto nel 1981 il più grande campo sperimentale del mondo per razzi interplanetari: vero e proprio universo di scienziati e tecnici chiuso in se stesso. Ma un altro mistero sembra gettare su White Sands la sua cupa ombra: dove vanno a finire tutti gli scienziati e i razzi che, partiti in volo sperimentale scompaiono senza lasciar traccia? Chi sono le enigmatiche ombre che si muovono, nottetempo, tra i bianchi edifici di White Sands? E' vero che giganteschi razzi, di tipo sconosciuto a White Sands, decollano dalle zone polari per ignota destinazione? Questo ed altri enigmi assillano Daniel Cross, giovane scienziato di White Sands: il quale, quando scopre che anche suo padre e sua madre scompaiono dalla Base senza lasciar traccia decide ch'è venuto il momento di vederci chiaro...

 

Sherlock Time

Argentina, 1958 / Héctor G. Oesterheld e Alberto Breccia

Strano investigatore privato, dalla massiccia corporatura e il volto squadrato, che sembra dominare tanto il tempo quanto lo spazio e assomiglia più a un pugile che a un tipo deduttivo. Infatti è soprattutto un uomo d'azione e non si tira mai indietro quando si tratta di menare le mani. 

Tra i numerosi casi risolti, possiamo ricordare quello di una serie di misteriose sparizioni provocate da alcuni extraterrestri che, grazie a una serie di ingegnose "trappole", prelevavano esseri umani per studiarne il "funzionamento".

 

Progressive Spin, puntata 27, 11 dicembre 2025

Moron Police - Pachinko, Pt. 1

Stereolab - Immortal Hands

Obiymy Doschu - Thruths

Anna von Hausswolff - The Iconoclast

Cen-ProjekT - Gregor Titan Volkov

 

Lo sceriffo Fox

L'abile e indomito Fox, sceriffo dalle piume corvine attivo nel West di Grattas City, popolato prevalentemente da animali antropomorfi come lui, vive il suo miglior ciclo di avventure sulle pagine di Cucciolo, tascabile pubblicato dalle Edizioni Alpe di Milano e per cui fra gli anni Cinquanta e Sessanta ha avuto un rilevante ruolo creativo e di coordinamento Giorgio Rebuffi, ideatore dello stesso Fox e di tutto il cast di interpreti della saga, a cominciare dal poco sveglio Conny, il coniglio aiutante di Fox, e dal villain per tutte le stagioni Baffos. Rebuffi è l'autore dei testi e dei disegni delle due rare avventure di Fox dello sfogliabile: Caccia al bisonte e Meglio lo scopone, uscite su due numeri del quindicinale Cucciolo: il 1 5 e il 23 del1956.

Il personaggio è raffigurato come un corvo bonario nero ed allampanato caratterizzato da un grosso becco. Gira vestito da sceriffo, con cappello da cow boy, stivali con speroni, stella appuntata sul gilet, guanti e revolver, e si muove in un immaginario far west popolato da altri animali antropomorfi fra cui Conny, un coniglio che funge da aiutante e che diventa nel tempo una sorta di co-protagonista in grado di sbrogliare un gran numero di brutte situazioni, e Baffos, un gatto che impersona il ruolo del cattivo un po' imbranato.

SNMN, puntata 27, 10 dicembre 2025

Serena Schintu - Oggi no

Grazia Di Michele feat. Kenyatta Beasley - Cada cosa es preciosa

Stefano D'Orazio - Ci metto il cuore

Charlie Risso - Bad Instinct

Valerio Pontrandolfo - 

Mirkotek - Mi sto innamorando

Nùma - Quando canta Simone Cristicchi

MadAoki - Revolutionary Sound

IDKs Punk - Far From Home

Mystic alma - Romance

Oscar's Band - Statale 36

Unkle Kook - The Wedding

Tales Of Oneira - Mirrors of Another Self

Bandeep - Affari tuoi

 

Scott Lindroth

(Cincinnati, 16 gennaio 1958)

Nato a Cincinnati, Ohio, e cresciuto vicino a Fond du Lac, Wisconsin, Lindroth ha conseguito il DMA e il MM in Composizione presso la Yale University School of Music e una laurea triennale in Composizione presso l' Eastman School of Music. 

Compositore e insegnante americano residente vicino a Durham, nella Carolina del Nord. È entrato a far parte della facoltà della Duke University nel 1990, dove è Vice-Rettore per le Arti e Professore Associato di Musica "Kevin D. Gorter"; tra i suoi colleghi alla Duke figurano i compositori Stephen Jaffe, John Supko e Anthony Kelley. Lindroth tiene corsi di laurea triennale in teoria musicale, composizione e musica elettronica, oltre a seminari di specializzazione su argomenti legati alla composizione. Nella primavera del 1995, è stato Professore Assistente Visitatore di Musica alla Princeton University .

Dice di se stesso:

Sono un compositore di musica strumentale e vocale. I miei lavori più recenti sono  T120 , un trio per pianoforte composto per l'Horszowski Trio (2021) e un Quintetto per sassofono soprano e quartetto d'archi (2019). Il mio progetto attuale è un quartetto per flauto e tre archi, commissionato dall'Electric Earth Concert Series. 

Il mio insegnamento si concentra sugli aspetti tecnici della musica, includendo lezioni di teoria musicale, composizione e trascrizione. Insegno anche un corso intitolato "Musica e cervello" con Tobias Overath, un collega in psicologia e neuroscienze. Questo corso esplora la fisiologia e la psicologia dell'udito e della cognizione musicale, uno studio che mi ha permesso di riconsiderare idee che conosco bene da una prospettiva completamente diversa, con il risultato che idee "vecchie" sono tornate "nuove". Interessi più marginali includono alcuni aspetti della tecnologia musicale: campionamento dal vivo ed elaborazione del segnale, sonificazione e composizione assistita da computer.  

Oltre a questi interessi professionali, mi piace lavorare con le macchine utensili e andare in moto sulle strade secondarie della Carolina del Nord. 

T120

Una première in tempo di pandemia offre la possibilità di un'attesa ancora più intensa. Scott Lindroth, il cui nuovo lavoro "T120" sarà presentato al pubblico in un'esibizione al Baldwin Auditorium il 9 ottobre alle 20:00, afferma di rendersi conto ora più che mai di quanto sia prezioso riunirsi per vivere insieme un'opera d'arte.

"Penso che sia un'emozione ancora più grande per tutti noi che lavoriamo nel mondo delle arti performative poter tornare sul palco, rendendoci conto di quanto sia speciale quel rituale", ha affermato Lindroth, professore di musica alla Duke. "E quando questo ti viene tolto, ti rendi conto di quanto sia meraviglioso e importante potersi riunire e vivere questa esperienza condivisa".

"T120" di Lindroth sarà eseguito dall'Horszowski Trio, insieme a "Per Vera" dello studente di musica Ryan Harrison (anch'esso in prima esecuzione) e al "Trio n. 1 in Re minore, op. 63" di Robert Schumann. Lindroth è entusiasta di affidare il suo brano alle sapienti mani dell'Horszowski Trio, il cui lavoro è stato descritto come "agile, persuasivo" (The New York Times) e "eloquente e avvincente" (The Boston Globe). Ha incontrato il trio in occasione di un'altra première nel New Hampshire, dove i suoi colleghi Jonathan Bagg, professore di pratica musicale alla Duke University, e Laura Gilbert hanno presentato una sua nuova opera nella loro serie di concerti, Electric Earth Concerts.

Nelle sue note di programma, Lindroth scrive che "T120" è strutturato in due movimenti. "Il primo è ispirato dall'esperienza del movimento in avanti, a volte ad alta velocità, attraverso una varietà di terreni, superfici e condizioni meteorologiche", ha detto Lindroth. "Quando le condizioni sono giuste, provo euforia, serenità, leggerezza d'animo e un benessere indescrivibile. Il secondo movimento segue senza pause e punta a finalità espressive completamente diverse: una meditazione sulle perdite personali che hanno avuto luogo negli ultimi anni".

Lindroth voleva esplorare la collisione della vita quotidiana con eventi esterni difficili. "Abbiamo la nostra vita quotidiana con cose di cui siamo preoccupati e su cui lavoriamo, e ci sono alti e bassi, ma stiamo facendo progressi. E poi succede qualcosa dall'esterno e cambia completamente la nostra prospettiva, portandoci fuori da quello schema banale", ha detto.

"Nella seconda parte emergono elementi che si trovano nel primo movimento, ma vengono ricontestualizzati", ha continuato. "Qualcosa che ha un'identità in un contesto può avere un'identità completamente diversa da questa nuova prospettiva, e adoro questo della musica: le stesse note possono essere multivalenti, completamente diverse, a seconda del contesto. Trovo questo davvero emozionante, prezioso e potente. Questa musica è un tentativo di prendere cose accadute nel quotidiano e inserirle in questo nuovo contesto, osservando come cambiano."

Leonard Tushnet: A che serve una invenzione se non serve?

Io sono un uomo pratico, cosa che a volte i miei figli (ma vivi e lascia vivere!) non sono, nonostante il loro cervello. Uno a testa. Se non fossero due, gemelli, e se i loro due cervelli fossero in una testa sola, questa testa saprebbe più cose di tutti gli scienziati del mondo messi insieme, ve lo dico io. Comunque sono in grande considerazione, e lavorano con incarichi di responsabilità per una grossa ditta di pellicole fotografiche. Non ne faccio il nome perché ai ragazzi potrebbe non far piacere. Non so come la pensino. Anche se dovrei saperlo. Li ho allevati personalmente, dato che hanno perso la madre quando avevano otto anni, e devo dire che non è stata un’impresa facile. Io non mi sono risposato, perciò ho dovuto pensare al lavoro, e contemporaneamente mandare avanti la casa. Comunque i ragazzi sono sempre stati bravi. Dio li benedica!

Larry ha la passione dei laser. È un sistema per proiettare la luce. Non so come funzioni esattamente perché non ho avuto la loro istruzione. Non ho fatto l’università. Leo, invece, è appassionato di magia. Ed è molto bravo, devo dire. I ragazzi hanno collaborato parecchio tra loro nel costruire trucchi e illusioni assai ingegnose. La cantina è piena di questi loro apparecchi. E vengo al punto.

Larry ha costruito un apparecchio per ottenere un’illusione ottica che serviva a Leo. Sapete, come quando si vede qualcosa che invece non c’è. Lo si può fare con gli specchi. Larry ha usato il laser, ed è arrivato a ottenere quelli che lui chiama ologrammi. Sembrano fotografie ma non lo sono. I negativi appaiono come un ammasso di punti e di macchie, ma quando sono proiettati sullo schermo si ha l’impressione di poter girare attorno all’immagine. È a tre dimensioni. Lo so che è difficile crederci se non lo si vede coi propri occhi. Una immagine normale è piatta, è una foto, insomma, e rimane identica da qualsiasi angolo la si guardi, ma l’immagine ottenuta con la proiezione di un ologramma è autentica, e se ci si sposta a destra o a sinistra si ha una visione diversa da quella che si ha guardando di fronte.

Dunque, come ho detto, Larry costruì questi ologrammi per Leo. E proiettò le

Piero Bernardini - Scusi ha ucciso lei il professore Sanguinetti, 1949

Ken Follett: Il treno di mezzanotte per l’ignoto

Il conducente stava pensando alle vincite della lotteria, allo champagne, al prepensionamento, ad una vacanza in Giamaica e alle belle ragazze in bikini quando, con la vista annebbiata dai suoi sogni a occhi aperti, vide una stazione e schiacciò il freno.

Il capotreno stava leggendo un’edizione economica che raccontava le confessioni di un lattaio e quest’ultimo era appena stato invitato in un monolocale da due ragazze in veste da camera quando la vettura si fermò. Automaticamente, il capotreno pigiò il bottone per l’apertura delle porte.

Poi alzò lo sguardo dal libro, si rese conto del suo errore e chiuse subito le porte.

Il conducente si riprese dalle sue fantasticherie sulla Giamaica, si rese conto anche lui del proprio errore ed aggrottò le sopracciglia con aria perplessa.

Il treno si allontanò.

Janet era sulla banchina e si stropicciava gli occhi. Si era svegliata di soprassalto e, rendendosi conto di aver oltrepassato Euston da un pezzo, era scesa di corsa proprio mentre si stavano chiudendo le porte.

Mentre le luci del convoglio svanivano si lasciò scappare un’imprecazione. Si era addormentata su un libro di storie dell’orrore e l’ultima stazione che ricordava era quella di Hendon Central. Era mezzanotte. Doveva esserci ancora un altro treno nell’altra direzione.

I suoi tacchi facevano un rumore fastidioso sul cemento mentre si dirigeva verso il cartello che indicava l’uscita. Le luci della stazione sembravano molto fioche e lei dovette scrutare in lontananza per vedere dove finiva la banchina.

Seguì i cartelli di metallo arrugginito che indicavano la linea diretta a nord.

La panchina di legno era coperta da uno spesso strato di polvere. «Tipico dei trasporti londinesi» pensò. Frugò nella borsetta per cercare un fazzolettino di carta e pulì un pezzetto della panchina, poi appallottolò il fazzolettino e lo lasciò cadere in un cestino per i rifiuti.

«Non ci sono mai abbastanza cestini» rifletté automaticamente. «Se li mettessero, le stazioni non diventerebbero così sporche...» Però, stranamente, quella banchina non era affatto sporca. C’era soltanto uno spesso strato di polvere. Dappertutto. E l’aria odorava di muffa.

Rabbrividì e guardò con impazienza l’orologio. Era ora che arrivasse quel treno...

Qualcosa le passò velocemente sui piedi e lei fece un balzo; lasciandosi scappare un gridolino. Poi vide un topolino che spariva in un piccolo buco nel muro. — Oh, che schifo! — esclamò.

Si guardò in giro imbarazzata, ma non c’era nessuno sulla banchina che potesse aver sentito il suo grido. Non poteva più sedersi: chissà, forse c’era un nido di

Edgar Wallace: Maschera bianca, n.67

  

"Maschera Bianca" è il soprannome che la stampa ha affibbiato ad un bandito che è solito fare irruzione nei lussuosi ristoranti del West End di Londra, con il volto coperto appunto da una benda bianca, e impadronirsi dei gioielli delle signore presenti. Il giornalista Michael Quigley assiste a uno di questi raid e inizia ad indagare sull'identità del criminale. Al tempo stesso, è preoccupato per la ragazza di cui è innamorato, Janice, che sta subendo il fascino di un bellimbusto appena arrivato dal Sudafrica, Donald Bateman. La pista di Maschera Bianca conduce Michael in una delle zone più malfamate di Londra, Tidal Basin, dove Janice lavora come volontaria in una clinica per i bambini poveri gestita dal dottor Marford. La faccenda è resa ancora più complessa da un omicidio, commesso per la strada quasi sotto gli occhi di un poliziotto di ronda: la vittima è Donald Bateman. C'è forse un legame tra il morto e Maschera Bianca? Il sovrintendente Mason e il sergente Elk scoprono ben presto che non si tratta del solito crimine di routine in quel pericoloso quartiere e, aiutati anche dal giornalista, cercano di fare luce su un delitto complicato e ingegnoso.

 

Polar Express (2004): il film che ogni Natale mi ricorda perché credevo davvero

 

Polar Express è un film d’animazione del 2004 che per me non è mai stato “solo” un film di Natale. È uno di quei titoli che tornano ogni anno come un rituale personale, perché parlano a una parte fragile e preziosa che crescendo rischiamo di mettere a tacere.
La storia è semplice solo in apparenza. In realtà Polar Express racconta un momento preciso della vita: quando inizi a dubitare, quando senti che qualcosa di importante sta cambiando dentro di te, quando credere non è più automatico. Ed è proprio questo che lo rende così potente. Non ti prende in giro con magia urlata o buoni sentimenti facili. Ti accompagna piano, nel silenzio della notte, tra neve, luci lontane e domande non dette.
Ogni volta che lo guardo sento un misto di meraviglia e malinconia. Meraviglia perché riesce ancora a farmi sentire piccola, come quando il Natale sembrava infinito. Malinconia perché mi ricorda quanto sia facile perdere quella sensazione crescendo. Polar Express non parla solo ai bambini: parla soprattutto agli adulti che fingono di non averne più bisogno.
L’atmosfera è uno dei suoi punti di forza più grandi. È fredda, notturna, sospesa. Non c’è caos, non c’è rumore inutile. C’è attesa. E quell’attesa è profondamente natalizia, più di qualsiasi decorazione o canzone allegra. È l’attesa di qualcosa che non sai spiegare, ma che senti importante.
L’animazione, spesso discussa, contribuisce a questa sensazione quasi onirica. I personaggi sembrano muoversi in un mondo che non è del tutto reale, come se fossero dentro un ricordo o un sogno d’inverno. A me questo non ha mai disturbato, anzi: rende il film diverso, riconoscibile, unico.

Polar Express è un film che non cerco per ridere, ma per sentire. È una carezza e allo stesso tempo un richiamo. Mi ricorda che crescere non dovrebbe significare chiudere tutto, ma scegliere cosa tenere con sé.
È per questo che, ogni Natale, torno sempre lì. Non per nostalgia sterile, ma per ricordarmi che credere, a volte, è un atto di coraggio.

Francesco Mappa

Artista digitale italiano riconosciuto a livello internazionale. E' anche poeta, scrittore e pittore. A tratti, par quasi un personaggio creato dalla penna di Gustave Flaubert. Il suo spiccato talento artistico lo ha fatto entrare di diritto tra gli artisti contemporanei più influenti. La sua idea di arte è onnicomprensiva ed in continua evoluzione, tra il candido e l'efferato. Nelle sue opere ci si può immergere nello stato di contemplazione pura, spogliandosi di se stessi. Le atmosfere dei suoi dipinti sono accattivanti e, allo stesso tempo, immaginative. Esteta, conservatore ed inguaribile bohème dell'età moderna, la sua espressività artistica muove, continuamente, alla ricerca della struttura ontologica dell'Assoluto, pur conscio della sua irraggiungibilità. La sua identità artistica non può essere sintesi e nemmeno indifferenziazione, ma necessaria relazione ed unità degli opposti: l'idealità che necessariamente implica il reale e viceversa. E' presente in diverse gallerie d'arte.

Wilson Tucker: Tele-Homo Sapiens, n.66

 

E' legge di natura che una specie più progredita attraverso la selezione naturale, le variazioni ereditarie e le improvvise, inesplicabili mutazioni, tenda non solo a sostituire ma spesso a distruggere la specie più rozza e imperfetta dalla quale discende, ma in cui non si riconosce più. Come si spiega, per esempio, che con la comparsa degli evoluti e superiori uomini di Cro-Magnon - la specie umana dalla quale l'uomo moderno potrebbe discendere in linea retta - i rozzi, bestiali uomini di Neanderthal scomparvero totalmente nel giro di poche generazioni? Quale odio per i loro troppo evoluti congeneri spinse questi a liberarsi di così bestiali cugini? o quali pratiche mostruose e belluine presso i neanderthaliani ispirarono ai Cro-Magnon una ripugnanza tale per quei sileni da non potersene liberare che col loro sterminio? Un mutante, quando dia chiari segni di aver raggiunto in sé certi particolari processi della specie che lo differenziano nettamente dalla specie da cui proviene, suscita l'odio e il rancore nei suoi meno dotati congeneri, che non gli perdonano le sue superiori facoltà. E' odiato come mostro, come scherzo di natura, è perseguitato. Le sue più evolute capacità gli permettono comunque di difendersi, di trovare gli altri suoi pari, di costituirsi in nucleo di difesa, di attaccare finalmente la specie matrigna che non li riconosce più e distruggerla. Oppure, possono anche verificarsi casi diversi da questi, che obbediscono a leggi psicologiche naturali. Paolo Breen, per esempio, il protagonista, è dotato di poteri telepatici così estesi e manifesti da rivelare come la specie umana tenda a un tipo d'evoluzione orientato sullo sviluppo e la generalizzazione delle facoltà paranormali, latenti quasi in ogni essere umano. Posizione di privilegio, per Paolo, e anche di gravissimo rischio. Soprattutto quando i suoi straordinari poteri finiscono per intercettare le attività del F.B.I. con relativa politica atomica e altre faccende internazionali. Tele-Homo Sapiens è un romanzo eccezionale: fantastico all'aspetto, si basa in realtà su dati di fatto rigorosamente scientifici; tutto vi è possibile, perchè non va dimenticato che la fantasia di oggi può essere la realtà di domani.

  

Sherlock Holmes

Gran Bretagna, 1887 / Arthur Conan Doyle

Nato il 6 gennaio del 1854 (è un Capricorno con ascendente Scorpione), Sherlock Holmes è ancora oggi uno dei detective letterari più noti se non addirittura "il" detective per antonomasia. «Eliminato l'impossibile, ciò che resta, per quanto improbabile, dev'essere la verità» è una delle sue frasi celebri. E ancora: «Dicono che il genio consiste in un'illimitata capacità di curare i particolari. È una pessima definizione, ma si applica al lavoro dell'investigatore». 

Dopo aver risolto il suo primo "caso" quando era ancora studente a Oxford (uno studio in rosso), a 27 anni incontra il dottor Watson, suo futuro amico e biografo, e vanno a vivere insieme, per risparmiare sull'affitto, al 221-B di Baker Street, a Londra, dove ancora oggi molti fan continuano a scrivergli e dove da qualche anno c'è la sua casa-museo.

Alto e magro, dal volto «affilato, vivace, incorniciato dai copri orecchi del suo berretto da viaggio» e dalle lunghe mani «sensitive e nervose», Sherlock Holmes è molto suscettibile e capace di fanciulleschi entusiasmi, è dotato di una notevole intelligenza analitica (interessandosi più al particolare che al tutto) e gli piace stupire e meravigliare grazie al suo eloquio brillante e alla sua logica implacabile. Il suo maggior difetto, «Se pur difetto può chiamarsi, fu sempre una e trema ripugnanza a comunicare i propri progetti agli altri prima che il momento dell'azione fosse venuto». Riserbo «che va in parte attribuito al suo carattere dominatore, poco proclive ad ascoltare osservazioni o consigli, nonché a una certa passione per i colpi di scena stupefacenti e improvvisi dalla quale non aveva mai saputo liberarsi».

A parlare così di Sherlock Holmes è naturalmente il dottor Watson, che in un 'altra occasione così descrive il suo ineffabile amico: «Il suo fisico, di per se stesso, era tale da attirare l'attenzione dell'osservatore più superficiale. La statura di Holmes superava il metro e ottanta, era tanto magro da parere più alto. Aveva gli occhi acuti e penetranti, salvo in quei periodi di torpore di cui ho fatto cenno; il naso affilato e un poco adunco conferiva alla sua faccia un'espressione vigilante e decisa. Anche il mento, quadrato e pronunciato denotava in lui una salda volontà. Aveva le mani sempre macchiate d'inchiostro e di sostanze chimiche, eppure possedeva una straordinaria delicatezza di tatto, come avevo osservato vedendolo

manipolare i suoi fragili strumenti».

Dopo diversi giorni di convivenza e di studio sul suo nuovo coinquilino, il dottor Watson scopre che Sherlock Holmes è uno strano miscuglio di straordinaria sapienza e di ignoranza totale. Prova a elencare queste cognizioni - «l. Letteratura: zero; 2. Filosofia: zero; 3. Astronomia: zero; 4. Politica: scarse; 5. Botanica: variabili. Conosce a fondo caratteristiche e applicazioni della belladonna, dell'oppio e dei veleni in generale. Non sa nulla di giardinaggio e di orticultura; 6. Geologia: pratiche ma limitate. Riconosce a prima vista le diverse qualità di terra. Dopo una passeggiata, mi ha mostrato certe macchie sui suoi pantaloni indicando,

in base al loro colore e alla loro consistenza, in qual parte di Londra avesse raccolto il fango dell'una o dell'altra; 7. Chimica: profonde; 8. Anatomia: esatte, ma poco sistematiche; 9. Letteratura sensazionale: illimitate. A quanto pare, conosce i particolari di tutti gli orrori perpetrati nel nostro secolo ; 10. Suona bene il violino; 11. E abilissimo nel pugilato e nella scherma; 12. È dotato di buone nozioni pratiche in fatto di legge inglese» -, ma poi, scoraggiato, decide di lasciar perdere,

dato che non riesce a trarre nessuna considerazione da dati così contrastanti, e butta la sua lista nel fuoco.

Nonostante gli avesse dato la fama e una certa agiatezza economica, non tutti sanno che Arthur Conan Doyle non amava Sherlock Holmes e nell'aprile del 1893 decise addirittura di farlo morire. «Sono a metà dell'ultimo racconto di Sherlock Holmes - scrisse alla madre,- al termine del quale il gentiluomo scompare per non tornare mai più. Sono stufo anche solo di sentirlo nominare». E così, mentre

lotta con il professor James Moriarty nei pressi delle cascate di Reichenbach, in Svizzera, Arthur Conan Doyle lo fa piombare in un precipizio.

«Non l'avesse mai fatto! - ha ricordato Alberto Tedeschi nell'introduzione a un Omnibus Mondadori. - La reazione del pubblico è unanime, violenta, e l'autore viene subissato da una valanga di lettere di protesta, alcune delle quali lo ingiuriano, accusandolo di 'assassinio'. Cedendo alla pressione popolare, Conan

Doyle pubblica, nel 1902, il suo terzo romanzo, Il mastino dei Baskerville, la cui vicenda, come spiega il narratore Watson, è precedente all'episodio in cui Sherlock Holmes 'ha trovato la morte'. Ma il ripiego non è sufficiente e, ben presto, l'autore è costretto a rivelare che Sherlock Holmes è vivo e vegeto. È uscito miracolosamente incolume dall'avventura in cui 'si credeva che fo se morto'». 

Così le sue imprese continuano con altri romanzi e altri racconti. Tra le numerose versioni teatrali con questo personaggio meritano di essere ricordate almeno Under the dock (1893), recitata in Gran Bretagna da C.H.E. Brookfield, e Sherlock

Holmes (1897), recitata negli Stati Uniti da William Gillette.

Tra i numerosissimi attori che hanno interpretato sullo schermo il detective creato da Arthur Conan Doyle possiamo ricordare John Barrymore, Basil Rathbone

(protagonista anche di un lungo serial televisivo), Christopher Lee, John Neville (in Notti di terrore del 1965, Sherlock Holmes incontra Jack lo Squartatore) e Nicol

Williamson (in Sherlock Holmes: soluzione sette per cento, del 1976, il celebre detective incontra Sigmund Freud).

Raccontate in numerose versioni teatrali, cinematografiche, radiofoniche e televisive, le sue avventure hanno naturalmente ispirato più o meno direttamente anche diversi fumetti. Tra i più interessanti possiamo ricordare una serie di Edith

Meiser e Frank Giacoia negli anni Cinquanta, una di William Barry negli anni Settanta e una di Giancarlo Berardi e Giorgio Trevisan pubblicata su L'Eternauta nel 1986. Numerose anche le versioni umoristiche e satiriche.

Può essere infine curioso ricordare che non solo Sherlock Holmes è uno degli investigatori privati più conosciuti della letteratura poliziesca, ma è addirittura protagonista di racconti e romanzi di molti altri autori. Da John Dickson Carr (Il dossier Conk Singleton) a Esther L. Nasch (L'innamorata di Sherlock), da Ellery Queen (Uno studio in nero) a Nicholas Meyer (La soluzione sette per cento) ad

Alexis Lecaye (Marx e Sherlock Holmes e Einstein e Sherlock Holmes).

Il mito di Sherlock Holmes non conosce limiti. Tanto che Isaac Asimov ha curato un'antologia di racconti di fantascienza, Sherlock Holmes nel tempo e nello

spazio, pubblicata da Mondadori nel 1990, dove lo spirito del popolarissimo

detective si incarna di volta in volta in animali, robot, extraterrestri e così via.

Sempre a titolo di curiosità citiamo anche una serie televisiva americana, Holmes

and Yoyo, una situation comedy andata in onda nel 1976, con un agente investigativo della polizia di Los Angeles, il sergente Alexander Holmes (Richard B. Sbull) e il suo compagno Yoyo (John Schuck), un robot dall'aspetto umano dotato di un cervello (elettronico) analitico all'ennesima potenza. 

Ovviamente ometto di ricordare tutti i film e le fiction degli ultimi trenta anni, ma che ognuno di noi conosce bene.

  

Progressive Spin, puntata 26, 4 dicembre 2025

Leap Day - Pride Before The Fall

Ring Van Möbius - False Dawn

Abrete Gandul - Tráfico de Influencias

 

Il colonnello Caster'Bum

Il fumettista romano Lino Landolfi, occupatosi a più riprese di avventure del Far West sulle pagine del settimanale cattolico Il Vittorioso, riprende questo tema su Il Giornalino delle Edizioni San Paolo. Su testi dello sceneggiatore e scrittore Claudio Nizzi, nel 1970 Landolfi illustra le storie dell'infido colonnello Caster'Bum, il cui nome richiama beffardamente quello del leggendario generale Custer. Sfortunatamente, Caster'Bum incontra sulla sua strada il giovanissimo pellerossa Piccolo Dente, la cui ingenuità e inclinazione a combinare guai vanificano i disonesti propositi del colonnello. Le storie delle pagine seguenti risalgono agli esordi della saga: Caster'Bum contro Piccolo Dente (da Il Giornalino n. 28 del12 luglio 1970) e La battaglia di Little Tricorn (da Il Giornalino n. 40 del4 ottobre 1970). Piccolo Dente divenne poi il protagonista assoluto di una lunga serie di racconti comici, per un totale di quasi 800 tavole. 

Caster’Bum è l’ambizioso comandante di Fort Okay e per realizzare il suo sogno di diventare generale deve vincere una guerra contro gli indiani, ma casca male: la tribù che vive nel suo territorio è quella degli Assaibonis, di cui fanno parte il pacifico capo Caldaia Fredda, che non ha nessuna voglia di fare la guerra, e suo figlio, il simpaticissimo Piccolo Dente.

Lo stile caricaturale ma allo stesso tempo realistico ha decretato il successo della serie e ha fatto diventare Piccolo Dente la mascotte del Giornalino, che nell’ultima pagina lasciava spazio ad una tavola autoconclusiva con protagonista proprio il piccolo indiano. 

SNMN, puntata 26, 3 dicembre 2025

Irene Loche - Zhero

Moris -E Andiamo

Aua - Fortune

CommonXperience - Ritorno a Casa

Oslavia - Cosa Resta

Stonale - Vola da lei

Massimiliano Martelli - Connessi

Eczema - Diagnosi

Fuoricentro - Amanda Lear

Tosello - Salto nel vuoto, feat Edda

Emmedimodesto - Emme

Klaudia DG - Me ne frego

Meggie York - disposable person

Nico Zandolino - Non Fermarti (Take Your Time)

 

Julia Perry

(Lexington, 25 marzo 1924 - Akron, 24 aprile 1979)

Julia Perry (1924-1979), nata a Lexington, Kentucky, è una compositrice afroamericana la cui carriera è spesso citata nelle discussioni sui compositori neri e americani e sul loro successo in Europa. Perry era la figlia del Dr. Abe Perry, che un tempo accompagnò Roland Hayes in tournée. Fin da giovane, il talento musicale fu incoraggiato, tuttavia non si dedicò allo studio del pianoforte fino a due anni dopo aver preso lezioni di violino. Conseguì la laurea triennale e magistrale al Westminster Choir College e compose la cantata profana "Chicago" per la sua tesi nel 1948. Continuò a studiare in istituzioni come la Julliard School of Music e il Berkshire Music Center, producendo la sua opera più famosa, lo Stabat Mater, tre anni dopo. Tra il 1952 e il 1957, Perry studiò all'estero, in Europa, con Nadia Boulanger in Francia, vincendo il Boulanger Grand Prix, e con Luigi Dallapiccola, che ottenne due borse di studio Guggenheim in Italia. In questo periodo, produsse la sua opera "The Cask of Amontillado". Dopo essere tornata in patria nel 1960, compose Homunculus C.F. e assunse un incarico presso la facoltà del Florida A&M College. Più avanti nel decennio, Perry ottenne ampi consensi negli Stati Uniti e fu eseguita da numerose orchestre rinomate, tra cui la New York Philharmonic, spingendo l'etichetta discografica di musica classica Classical Recordings a noleggiare alcune delle sue composizioni nel 1969. A seguito di due ictus che ne compromisero la capacità di comporre, Julia Perry morì nel 1979 all'età di 55 anni, dopo aver composto dodici sinfonie, due concerti, tre opere e vari brani minori nel corso della sua carriera.

Julia Perry compose il suo Stabat Mater nel 1951 e lo dedicò a sua madre. Fu il brano che lanciò la sua carriera. 

Da allora è stato ampiamente eseguito sia in Europa che negli Stati Uniti. Composto per voce di contralto e orchestra d'archi, tratto dal poema latino di Jacopone da Todi in una traduzione del compositore, lo Stabat Mater, secondo il suo autore, "si compone di tre personaggi: Gesù, Maria e lo spettatore. Nella prima parte del dramma, lo spettatore si tiene in disparte osservando la maestosa visione. Nella seconda parte, desiderando condividere il peso, esprime il suo desiderio con le parole "fac me cruce custodire".

È diviso in dieci sezioni. La concezione vocale, sebbene drammatica o quasi operistica, è grata, propriamente lirica e altrettanto sorprendente quanto l'ampia esecuzione e la fama leggendaria dell'opera stessa.

La Perry ha iniziato a diversificare la sua tecnica di composizione e a sperimentare con la dissonanza. Lo Stabat Mater, è composto per contralto solista e orchestra d'archi. Essa incorpora la dissonanza, ma rimane all'interno della classificazione della musica tonale. Questi pezzi incorporano tecniche compositive più moderne, come l'armonia quartale, che dispone gli accordi in quarte piuttosto che in terze e quinte.

Thomas M. Disch: Principio di aprile o fine di marzo

Una normale tazza da caffè. Il manico, per una pretesa di eleganza, era esageratamente piccolo. Un lieve e impalpabile velo di zucchero in polvere caduto dai biscottini Hostess sulla punta delle dita. Sulla superficie scura del caffè poteva vedere il riflesso della lampada fluorescente che aveva sopra la testa, un cerchio luminoso tremolante spezzato in un punto soltanto. Quando si sarebbe alzato dal tavolo avrebbe baciato la moglie. Si chiamava Alice. O Bernice. Gli sedeva di fronte, e teneva una tazza di caffè marrone in mano. Il suo caffè, per contrasto, era nero. Marca Yuban Disco Verde.

Si chiamava Bernice. Non Alice.

Si alzò da tavola e baciò la moglie.

— Ti auguro una buona giornata — disse Bernice. Indossava un abito da casa di cotone blu stampato a fiori gialli e rosa, mentre le tende della cucina rappresentavano diversi tipi di frutta e vegetali: mele, banane, ananas, pomodori, sedano, zucche.

L’armadio conteneva un soprabito nero e un cappello grigio. Li mise e si guardò allo specchio. Lui si chiamava Brice. Non c’era niente d’insolito o di rimarchevole nella sua faccia.

L’orologio da polso e il pendolo erano concordi nel segnare le otto e dieci. Il pendolo era una piccola casetta che ospitava dodici piccoli omini, uno per ora. Veniva dalla Foresta Nera della Germania. Alle nove lui si sarebbe trovato seduto alla scrivania del suo ufficio, pronto a cominciare la giornata di lavoro.

Mentre camminava verso la macchina, si domandò se un orologio da polso fosse un regalo adatto per il compleanno della moglie. Voleva regalarle qualcosa che fosse una sorpresa, qualcosa di particolare. La sua macchina era una Dodge Coronet 500 del 1971, o una Oldsmobile Coronado, con i sedili ricoperti. Come d’abitudine si legò le cinture di sicurezza sulla spalla e sotto il braccio prima ancora di accendere il motore. Guidò fino in fondo alla Muskegan Avenue, cercando accuratamente di evitare il nuovo buco nell’asfalto, e girò a sinistra nella

Giuseppe Willomitzer - Elena e l'ufficiale, 1933